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70 anni dopo. La Grande Alluvione

Rovigo (Veneto) - Palazzo Roncale

Fino al 31 gennaio

Da una catastrofe può derivare anche qualcosa di positivo? L’interrogativo – non privo di attualità – è alla base della mostra “70 anni dopo. La Grande Alluvione”, in programma a Rovigo a Palazzo Roncale dal 23 ottobre al 31 gennaio.
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Album di Cortile

Milano (Lombardia) - via Sant’Erlembaldo 2

Fino al 10 febbraio

“Album di Cortile” nasce dalla volontà di dare voce agli abitanti del complesso di case comunali di via Sant’Erlembaldo 2, realizzato nel 1935 dalla Fondazione Crespi Morbio. L’iniziativa intende valorizzare identità e storia di una comunità e favorire il dialogo di questa con il quartiere e con altri “mondi”. Sulle cancellate del complesso, saranno esposte fotografie tratte dagli album di famiglia degli abitanti delle case. Album che illustrano attimi di vita e di relazioni degli inquilini che vi hanno abitato tra gli anni ’50 e gli anni ‘70 del novecento, e raccoglie in tracce audio i ricordi ma anche la volontà di futuro di chi ha messo a disposizione le fotografie. In contemporanea saranno installate le opere di 40 artisti che hanno rielaborato e interpretato le fotografie proponendo diversi approcci espressivi e molteplici chiavi di lettura. Completano l’iniziativa, il giorno dell’inaugurazione, la possibilità di ascoltare dal vivo alcuni degli abitanti coinvolti nel progetto, e la visita guidata al complesso della Fondazione e alle principali emergenze storico-urbane del quartiere, realizzate con un taglio da turismo culturale.

Sito: cityart.it/album-di-cortile/
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Alessandria. Il Novecento. Da Pellizza a Carrà una storia di artisti

Alessandria (Piemonte) - Palazzo del Monferrato

Fino al 13 marzo

La fioritura artistica del territorio, soprattutto nella prima metà del ‘900, legata a personaggi come Leonardo Bistolfi, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Angelo Morbelli e Carlo Carrà, autorizza a individuare una sorta di genius loci: da quelli che sono stati veri protagonisti delle maggiori correnti artistiche del XX secolo - simbolismo, divisionismo, futurismo, metafisica, Novecento - si può dire abbia germinato una vasta progenie di artisti dal profilo non così internazionale, ma di indiscussa rilevanza che hanno operato attivamente nel corso del secolo. Una mostra che racconta il contributo dato dagli artisti nati ad Alessandria e nella provincia alla storia dell’arte italiana del secolo scorso: una storia inedita in cui si sono avvicendate nell’arco di pochi decenni nuove forme espressive e rivoluzionarie situazioni culturali.

Sito: palazzomonferrato.it
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Alterazioni Video. Appunti per un parco incompiuto

Orani (Sardegna) - Museo Nivola

Fino al 13 febbraio

Il Museo Nivola è lieto di presentare la mostra Appunti per un parco incompiuto, l’ultimo progetto di Alterazioni Video. Dal 2006 il collettivo Alterazioni Video lavora a Incompiuto, un progetto incentrato, nella sua prima fase, sulla mappatura e geolocalizzazione di 696 opere incompiute sparse sul suolo italiano, strutture architettoniche iniziate e mai completate, sovvenzionate con fondi pubblici. Incompiuto entra ora nella seconda fase, che prevede una serie di cambiamenti di destinazione d’uso delle architetture. Lasciate strutturalmente inalterate come monumenti del presente, queste dovrebbero diventare luoghi polifunzionali di aggregazione della cittadinanza per attività culturali e sportive all’aperto, come parchi, giardini, auditorium, teatri. È il Palasport di Nuoro, scenografica rovina persa nella campagna, oltre le ultime propaggini urbane, il protagonista della mostra al Museo Nivola. Partito alla fine degli anni Novanta, appaltato nel 2012, il progetto è stato definitivamente archiviato nel 2017: quello che ne rimane è una foresta di piloni mozzi in cemento armato, una mastodontica porta d’ingresso, una spianata arida circondata da mucchi di detriti e vegetazione spontanea. Alterazioni Video propone di ribaltare in positivo il fallimento, trasformando in parco il cantiere abbandonato. Ci invita a “baciare il rospo”, a riappropriarci della rovina sgraziata e negletta accettandola e utilizzandola.

Sito: museonivola.it/
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Aron Demetz. Autarkeia. Il richiamo della materia

Catanzaro (Calabria) - Museo MARCA

da sabato 15. Fino al 31 marzo

La riflessione che sottende a questa mostra, che va a continuare e approfondire il percorso di ricerca avviato dalla recente esposizione al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, ruota intorno al concetto di “Autarchia”, derivato dal greco “Autarkeia” e declinato in una serie di soluzioni formali connesse semanticamente al concetto di “Autosufficienza”. Nell’accezione di Demetz “Autarkeia” non va intesa nel senso dell’“accontentarsi”, bensì – come scrive Alessandro Romanini, curatore della mostra, “… come forma di conquista veicolata da una rigida autodisciplina, sostenuta dall’inesausta ricerca ed esercizio e alimentata da un continuo confronto con i capisaldi storici dell’arte plastica. E tra quest’ultimi la dimensione legata all’arte greca è al primo posto…”. Ricerca e sperimentazione caratterizzano l’intero percorso di Demetz, discendente da una famiglia di scultori e originario della Val Gardena, terra di santi e di scultori di altari lignei che si possono ammirare nelle chiese di tutto il mondo.

Sito: museomarca.info
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Augusto Majani (1867-1959). La potenza dell’Idea

Bologna (Emilia-Romagna) - Palazzo d’Accursio

Fino al 30 gennaio

L’Associazione Bologna per le Arti presenta a Palazzo d’Accursio “Augusto Majani (1867-1959). La potenza dell’Idea”, a cura di Francesca Sinigaglia, una mostra che per la prima volta indaga in maniera approfondita la produzione pittorica dell’artista contribuendo ad aggiornare gli studi sul suo lavoro. Saranno esposte circa 90 opere, tra tele e tavole, dagli esordi fino agli anni Cinquanta del Novecento, molte delle quali provenienti da importanti istituzioni museali italiane e da numerose collezioni private. Augusto Majani nacque a Budrio nel 1867, figlio di commercianti. Si formò a Bologna e poi a Roma ed ebbe una eccellente carriera sia in campo grafico che pittorico grazie alla sua spiccata poliedricità. Nella capitale, in particolare, ebbe l’opportunità di avvicinare gli artisti di rilevanza internazionale che lì stavano compiendo il loro apprendistato, come gli acquerellisti Coleman e Carlandi, ma anche Giulio Aristide Sartorio, di cui Majani fu grande ammiratore. Insignito del titolo di Accademico d’Onore dall’Accademia di Belle Arti di Bologna e pittore apprezzato dagli artisti più illustri del suo tempo, come Telemaco Signorini, si avvicinò significativamente al Divisionismo italiano e fu toccato anche da influenze simboliste (Cannicci, lo stesso Signorini).

Sito: bolognaperlearti.it
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Buone Nuove

Roma (Lazio) - Maxxi

Fino al 24 aprile

Dallo stereotipo novecentesco del grande maestro carismatico alla crescente presenza di donne, collettivi, studi identificati con coppie, il cambiamento antropologico della professione dell’architetto. La mostra Buone Nuove aspira a documentare il modo in cui la presenza di nuove figure stia infondendo nuove forze nell’architettura contemporanea. In particolare, in relazione alla Collezione del Museo e allo scopo di ampliarla, la mostra pone particolare attenzione al lavoro degli studi diretti o co-diretti da progettiste donne e a quegli organismi professionali che si mostrano più consapevoli dei mutamenti in atto, integrandoli nel loro processo progettuale. In mostra, tra l’altro, alcune dei nomi e delle storie che hanno avuto che hanno avuto, o hanno tutt’oggi, un impatto cruciale: da Charlotte Perriand ai collettivi anni ’70, da Elizabeth Diller a giovani promesse “realizzate” come Frida Escobedo e molto altro. La mostra comprende anche una serie di video-interviste ad autori/autrici che ricostruiscono le storie e le teorie che accompagnano questa narrazione.

Sito: maxxi.art
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Burri. La poesia della materia

Alba (Piemonte) - Fondazione Ferrero

Fino al 30 gennaio

La Fondazione Ferrero di Alba (Cuneo) presenta un nuovo progetto espositivo intitolato “Burri. La poesia della materia”, dedicato a uno dei grandi protagonisti dell’arte del Novecento, Alberto Burri (Città di Castello, 1915 – Nizza, 1995). La scelta di opere presentate in mostra alla Fondazione Ferrero copre un arco temporale che va dal 1945, con i primi “Catrami” (1948), sino alle ultime opere “Oro e nero” datate 1993 e prossime alla scomparsa dell'artista avvenuta nel 1995. Tra i lavori esposti, opere prime di Burri appartenenti ai cicli dei “catrami”, delle “muffe”, dei “sacchi”, “delle combustioni”, dei “legni”, dei “ferri”, delle “plastiche”, dei “cretti” e dei “cellotex”, esperienze cruciali per la pittura contemporanea che portano il nome dei materiali che l'artista di Città di Castello ha di volta in volta utilizzato trasformandoli in capitoli epici di un'unica concezione artistica.

Sito: fondazioneferrero.it
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C€, nessuna conformità garantita

Milano (Lombardia) - Galleria Associazione Zona blu

Fino al 28 gennaio

Tre giovani fotografi e le loro “sperimentazioni”. Claudio Castilletti di Comiso (Rg), Federica Carrozza di Messina e Luca Tegano di Reggio Calabria espongono le loro opere nella Galleria dell’associazione Zona blu. I tre proporranno dei “trittici”, con una foto per ciascun autore, accomunate dall’elemento cromatico: fotografie dai contenuti seri, mascherate da oggetti di intrattenimento. In essi l’attenzione è posta ai dettagli, con inquadrature ravvicinate, colori forti e sgargianti. Il tema è la recente pandemia, che ha segnato la vita di tante persone in un mondo sempre più globale e interconnesso. Alcune situazioni individuali o singole, in alcuni casi esasperate, raccontano un fenomeno sociale che ha avuto un grande impatto sui comportamenti umani, spesso estremizzandoli, o creando situazioni inimmaginabili.

Sito: zonablu.org
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Canova Ebe

Bassano del grappa (Veneto) - Musei Civici

Fino al 30 maggio

Ebe, simbolo dell’eterna giovinezza, coppiera degli Dei, è risorta dalle ceneri. O più correttamente dai frammenti che, all’indomani del bombardamento alleato su Bassano del 24 aprile 1945, venero raccolti come reliquie. Reliquie di un gesso tra i più belli e affascinanti tra quelli realizzati dal celebre scultore di Possagno. Questi frammenti sono rimasti nei depositi dei Musei Civici per più di 70 anni, abbandonati all’oblio perché la loro ricomposizione è stata a lungo ritenuta impossibile. Poi, la messa a punto di nuove tecnologie applicate al restauro ha permesso alla mitica Ebe in gesso di Bassano del Grappa di ritrovare la sua forma e la sua grazia.

Sito: museibassano.it
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Cao Fei. Supernova

Roma (Lazio) - Maxxi

Fino a 8 maggio

Un’approfondita riflessione sulla velocità del cambiamento, sul rapporto tra tradizione e futuro. Una linea che attraversa migliaia di anni e ci porta nel prossimo millennio. Interazione tra realtà e fantasia, reale e virtuale, memoria e futuro caratterizzano la mostra “Cao Fei. Supernova”, dedicato a una figura di spicco del panorama internazionale. La mostra, a cura di Hou Hanru e Monia Trombetta, presenta, insieme a due film cruciali dell’artista, Haze and Fog (2013) e La Town (2014), opere apprezzate dal pubblico internazionale, i suoi ultimi lavori: il film Nova (2019 ), un film di fantascienza che racconta la storia senza tempo di Hongxia, il quartiere in cui vive Cao Fei, reinventato e ambientato nel futuro; il lavoro in realtà virtuale The Eternal Wave (2020) prodotto in collaborazione con Acute Art, che continua il viaggio iniziato dall’artista con i suoi precedenti lavori digitali, in cui continua un’esplorazione del virtuale, della realtà e dell’autopercezione con la tecnologia; e Isle of Instability (2020) commissionato da Audemars Piguet Contemporary, l’ultima creazione realizzata dall’artista nella sua casa di Singapore, in cui esplora le ripercussioni psicologiche della pandemia e dell’isolamento, un lavoro che esplora le realtà sociali della vita quotidiana in questo periodo. Le opere vengono presentate al MAXXI all’interno di un percorso installativo articolato che parte dai luoghi reali, e a volte privati, della vita dell’artista, la Cina contemporanea, il suo quartiere, il suo studio e la sua casa e si affaccia su un futuro virtuale minaccioso e surreale.

Sito: maxxi.art
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Caravaggio e Artemisia: la sfida di Giuditta. Violenza e seduzione nella pittura tra Cinquecento e Seicento

Roma (Lazio) - Palazzo Barberini

Fino al 27 marzo

Ospitata nelle nuove sale al pian terreno di Palazzo Barberini, la mostra “Caravaggio e Artemisia: la sfida di Giuditta. Violenza e seduzione nella pittura tra Cinquecento e Seicento” celebra i cinquant’anni dall’acquisizione da parte dello Stato italiano e i settant’anni dalla scoperta del celebre dipinto di Caravaggio conservato a Palazzo Barberini: Giuditta e Oloferne. Una serie di capolavori provenienti dai musei di tutto il mondo, inclusa la straordinaria “Giuditta e Oloferne” di Artemisia Gentileschi del Museo di Capodimonte a Napoli, documentano la dirompente novità della rivoluzione caravaggesca nella pittura a lui contemporanea.

Sito: barberinicorsini.org
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Ceramics: Neverending Artworks

Milano (Lombardia) - Flagship Store Iris Ceramica Group

Fino al 18 febbraio

“Ceramics: neverending artworks” presenta autori che hanno sfidato, con spirito audace e dissacrante, la modernità e i suoi diktat di pulizia formale, di “good design”, di puro ed esatto funzionalismo, di bianco, nero e metallo cromato, mettendo in scena la capacità di riscrivere le regole, per creare oggetti unici e fuggire dalla banalità del quotidiano. Il percorso espositivo incrocia anche molti protagonisti del movimento Memphis, per i quali la vita è anche ironia, l’estetica è anche etica e gli oggetti devono saper parlare un linguaggio che sappia privilegiare la loro dimensione emozionale e sensoriale. Attraverso accostamenti di pattern e di segni, di colori vibranti e asimmetrie, di decorazioni e forme sinuose, le opere in mostra riescono ad attirare la nostra attenzione e, soprattutto, richiedono la nostra partecipazione. Le opere di Aldo Cibic, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, Ettore Sottsass, George Sowden, Luigi Serafini, Marco Zanini, Martine Bedin, Matteo Thun, Michele De Lucchi, Nathalie Du Pasquier, Peter Shire, sottolineano la natura eclettica della ceramica, materia viva capace di interpretare bisogni e desideri dell’uomo dall’alba dei tempi.

Sito: irisceramicagroup.com
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Claudio Parmiggiani in VideotecaGAM

Torino (Piemonte) - Gam

Fino al 6 febbraio

La GAM di Torino presenta la mostra dedicata a Claudio Parmiggiani (Luzzara, 1943), quarto appuntamento del ciclo espositivo nato dalla collaborazione tra l’Archivio Storico della Biennale di Venezia e la VideotecaGAM, volto a testimoniare la stagione iniziale del video d’artista italiano. L’esposizione presenta “Delocazione”, unica opera video realizzata da Parmiggiani, prodotta da Art/Tapes/22 di Firenze nel 1974, insieme a due opere capitali nello sviluppo del suo lavoro, provenienti dalla Collezione Maramotti di Reggio Emilia: la stampa fotografica su tavola “Delocazione 2” del 1970, e “Autoritratto” del 1979, una silhouette d’ombra riportata su tela, anch’esso opera unica nel percorso dell’artista. La triangolazione di queste tre opere racchiude l’intero arco degli opposti visivi che attraversa il lavoro di Parmiggiani. L’assenza dell’opera, che emerge in riserva sulla parete, nel bianco contornato dal grigio della polvere e della fuliggine, si riflette nel suo contrario visivo: la proiezione di un’ombra grigia che si disegna sulla tela bianca, presenza negata dello sguardo dell’artista sull’immagine svanita.

Sito: gamtorino.it
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Davide Balliano

Milano (Lombardia) - Cardi Gallery

da mercoledì 19. Fino al 26 marzo

Attraverso un importante corpus di opere inedite prodotte nel 2021, la mostra offre un’occasione unica per scoprire il linguaggio visivo dell’artista e approfondirne l’indagine sulle problematiche formali, in equilibrio tra il rigore della geometria e il calore e il peso dell’esperienza umana. Lo studio metodico sul movimento– inteso come moto imperioso della natura e ritmo ineludibile della storia – porta Balliano alla creazione del ciclo Untitled, lavori in bianco e nero su tele di lino. In queste opere Balliano passa dalla lavorazione su tavola di legno alla tela di lino, materiale leggero che permette alla texture della materia pittorica di emergere come elemento primario e, parallelamente, garantisce all’artista la possibilità di lavorare in modo più libero rispetto alle costrizioni imposte dal supporto ligneo. L'intensa interazione del bianco e del nero sono elemento fondamentale dell'estetica di Balliano, che non rifiuta il colore, ma piuttosto ne è in continua contemplazione. A un primo sguardo le sue opere appaiono precise, ordinate e metodiche, ma a un esame più attento la stesura del nero si anima di graffi e abrasioni che trasformano la superficie austera in un’opera altamente materica, con esiti scultorei, evidenziando come il continuo sconfinamento tra pittura e scultura sia un elemento fondamentale nella sua ricerca.

Sito: cardigallery.com
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Depero new Depero

Rovereto (Trentino-Alto Adige) - Mart

Fino al 13 febbraio

Fortunato Depero, pioniere dell'arte totale e fondatore a Rovereto dell'omonimo museo futurista, è protagonista di una grande mostra che esplora la modernità delle sue sperimentazioni e l'influenza delle sue ricerche negli ambiti dell'arte, della moda, del design e del fumetto dagli anni Settanta ad oggi. Esposti circa 500 lavori tra opere, disegni, mobili, oggetti, manifesti, fotografie, libri e riviste; una decina di video e film realizzati negli ultimi venti anni; fumetti e oggetti di design, oltre ai famosi bozzetti pubblicitari Campari. Cinque sezioni compongono lo scenografico allestimento: “Ricostruzioni”, con i numerosi rifacimenti delle insolite creazioni di Depero per il teatro; “Effetto Depero”, in cui emergono i grandi nomi del design italiano che si sono apertamente ispirati all'artista trentino; “America”, dove la storia e l’opera di Depero vengono raccontate attraverso più recenti produzioni audiovisive; “Museo”, realizzata con i documenti e le pubblicazioni provenienti dall’Archivio del '900; “Conservazione/Educazione”, che valorizza i progetti portati avanti negli anni dal Mart nell'ambito del restauro e della mediazione culturale.

Sito: mart.tn.it
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Di mano di Jacopo da Puntorme. Disegni di Jacopo da Pontorme nelle collezioni dell’Istituto centrale per la grafica

Roma (Lazio) - Istituto centrale per la grafica

Fino al 20 marzo

“Di mano di Jacopo da Puntorme. Disegni di Jacopo da Pontorme nelle collezioni dell’Istituto centrale per la grafica” per la prima volta nella sua interezza espone il fondo di disegni di Jacopo Carucci (1494-1556) - artista meglio noto come Pontormo dal luogo di nascita - la cui fama al tempo rivaleggiò con quella dei grandissimi, da Raffaello ad Andrea del Sarto, da Bronzino a Vasari. Considerata l’intrinseca fragilità di questi manufatti, a tal punto da sconsigliarne il prestito, questo importantissimo nucleo di disegni quasi tutti bifaccia, è poco noto anche agli specialisti; ciò nonostante, si tratta di capolavori, in parte inediti, che riferiscono dell'attività creativa più intima dell'artista e che potranno essere ammirati e confrontati tra loro fino al 20 marzo 2022 - nelle sale espositive della Calcografia, in via della Stamperia 6 a Roma, a due passi da Fontana di Trevi - per un evento irripetibile nei prossimi dieci anni e forse oltre, ma che costituisce un momento di particolare riflessione per tutti. Soprattutto perché si tratta di un nucleo di disegni fresco di operatività dell’artista al lavoro, una sorta di archivio personale di bottega la cui importanza in tutti questi anni era sfuggita agli esperti dell’arte di Pontormo.

Sito: grafica.beniculturali.it
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Do you hear us? An exhibition on silence, noise, and listen

Roma (Lazio) - Istituto Svizzero

Fino al 30 gennaio

L’Istituto Svizzero presenta la mostra collettiva “Do you hear us?” che esplora il concetto di suono nei sui diversi aspetti. In che modo è cambiata la nostra percezione del suono durante la pandemia? Può il suono generare uno spazio sociale e politico? Qual è la differenza tra ascoltare e sentire? Partendo da queste domande, le opere presentate, alcune delle quali concepite appositamente per la mostra, si interrogano sul significato di silenzio, di rumore e di ascolto come potenti atti di resistenza.

Sito: istitutosvizzero.it
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Edi Hila. Al di là del vetro

Milano (Lombardia) - Galleria Raffaella Cortese

Fino al 26 febbraio

Edi Hila (Shkodra, Albania, 1944) è un testimone della storia sociale e politica dell’Albania, un testimone che, tramite le esperienze di vita, la sua sensibilità e la pittura, ha raggiunto vette di grande intensità di quello che si potrebbe definire come un personale “realismo esistenziale”. Formatosi all’Accademia di Belle Arti di Tirana agli inizi degli anni Sessanta, ha trovato nelle lezioni di Danish Jukni l’unico accesso possibile alla conoscenza dell’arte contemporanea nell’Albania del regime comunista di Enver Hoxha. Nonostante la difficoltà nell’arginare l’isolamento intellettuale del regime, riuscì ad approfondire la storia dell’arte del XX secolo. Nel 1972 dipinse il noto quadro Planting of Trees con una tecnica lontana dalle dottrine legate agli insegnamenti dell’Accademia e una gioia nel cromatismo, nonché nel gesto, che gli crearono da subito seri problemi. L’attitudine alla libertà di esprimere la propria felicità in quel quadro, fu la ragione prima che portò il regime ad allontanarlo dalla pittura per anni. Negli anni Settanta e Ottanta fu infatti obbligato a lavorare in un campo di rieducazione nell’industria del pollame. Solo dopo la caduta del comunismo in Albania, negli anni Novanta, tornò a dipingere andando a definire lo stile e i contenuti che contraddistinguono anche le opere esposte in questa sua prima mostra nei tre spazi della Galleria Raffaella Cortese.

Sito: raffaellacortese.com
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Elena Giustozzi. Inside

Macerata (Marche) - Musei Civici Palazzo Buonaccorsi

Fino al 27 febbraio

Curata da Paola Ballesi, la mostra “Inside di Elena Giustozzi, vincitrice del Premio Pannaggi, offre al pubblico opere raffinate e suggestive frutto di una pittura colta e sapiente che dà vita a delicati mondi racchiusi in una superficie specchiante, vasche da giardino in cui ristagna acqua piovana che rinserra un microcosmo di fiori, foglie, pollini, e piccoli insetti. Insoliti scorci e dettagli minuti descrivono il gioco tra i piani che l’acqua, invisibile presenza, rivela, insieme alle ombre del mondo esterno, che si disegnano con sagome sorprendenti, in un incessante dialogo tra l’esterno e l’interno, il sopra e il sotto, il vicino e il lontano, il dentro e il fuori, dove ogni elemento si trova in connessione col tutto, parte inscindibile di un unicum vitale, mobile, in continuo divenire.
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Escher

Genova (Liguria) - Palazzo Ducale

Fino al 20 febbraio

Con oltre 200 opere e i suoi lavori più rappresentativi come “Mano con sfera riflettente” (1935), “Vincolo d’unione” (1956), “Metamorfosi II” (1939), “Giorno e notte” (1938) e la serie degli Emblemata, la mostra Escher presenta in 8 sezioni un excursus dell’intera e ampia produzione artistica di uno degli artisti più amati a livello globale e i cui mondi impossibili sono entrati nell’immaginario collettivo rendendolo una vera icona del mondo dell’arte moderna. Per la prima volta, a Genova il pubblico potrà esperire l’immaginifico universo escheriano tramite inedite sale immersive e strutture impossibili che saranno messe a confronto con opere di grandi artisti visionari del calibro di Giovanni Battista Piranesi (1720 - 1778) e di Victor Vasarely (1906 – 1997).

Sito: mostraescher.it
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Essere Umane. Le grandi fotografe raccontano il mondo

Forlì (Emilia-Romagna) - Musei di San Domenico

Fino al 30 gennaio

Un viaggio per immagini nell’evoluzione del linguaggio fotografico mondiale, con una specifica attenzione allo “sguardo femminile”, a partire dagli anni Trenta del Novecento, quando grazie all’affermazione delle prime riviste illustrate la fotografia è diventata il principale linguaggio della comunicazione contemporanea. Tra le 314 fotografie in mostra, si possono segnalare le leggendarie immagini di Lee Miller nella vasca da bagno di Hitler, la strepitosa serie delle maschere di Inge Morath, realizzata con Saul Steinberg, gli iconici volti dei contadini durante la Grande Depressione di Dorothea Lange, il sorprendente servizio di Eve Arnold su una sfilata di moda ad Harlem negli anni Cinquanta e i rivoluzionari scatti di Annie Leibovitz per una epocale edizione del Calendario Pirelli.

Sito: essereumane.it
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Ettore Sottsass. Struttura e colore

Milano (Lombardia) - Triennale

Fino al 13 marzo

La prima del ciclo di tre mostre dedicate a Casa Lana, una residenza privata milanese progettata dal maestro del design Ettore Sottsass a metà degli anni Sessanta. Ettore Sottsass. “Struttura e colore”, che riprende il titolo da un articolo di Sottsass del 1954, presenta opere pittoriche, disegni, fotografie e oggetti che mettono in evidenza la particolare attenzione del designer alla relazione tra l'uomo, le sue necessità, i suoi riti e lo spazio abitato. Tra i temi affrontati ci sono gli oggetti come attivatori di gesti e di riti, gli oggetti che creano gli spazi, l'invenzione del palo come declinazione e sviluppo di un'idea di interni.

Sito: triennale.org
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Figurabilia - Piccolo festival dell’arte iconica

Bologna (Emilia-Romagna) - Menomale

da venerdì 21 a domenica 23

L’arte per sua natura è un moto continuo, che si sottrae alle regole, capace di cambiare rotta seguendo i mutamenti sociali, attingendo dall’esterno per diventare espressione di un’interiorità. La pandemia, il suo tempo sospeso, ma soprattutto i cambiamenti nelle cifre stilistiche che ne sono emersi sono al centro di Exit, la seconda edizione di Figurabilia, il piccolo festival dell’arte figurativa in programma a Bologna in occasione di Arte Fiera. Sei artiste italiane saranno interpreti di questa tendenza non solo attraverso le loro opere originali ma, come da tradizione di Figurabilia, facendone oggetto di discussioni e confronti insieme al critico d’arte Carlo Micheli, da loro invitato per un dialogo aperto sul tema. Per tre giorni il Menomale (Via de’ Pepoli 1/a) sarà teatro di un nuovo modo di condividere l’arte e i suoi saperi nelle sue varie forme, che si basa sulla multidisciplinarietà e sul coinvolgimento.
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Finestre sul mondo

Bologna (Emilia-Romagna) - MUG

Fino al 28 febbraio

“Finestre sul mondo” include oltre 30 opere fotografiche di grandi dimensioni, tratte dal monumentale repertorio di oltre 10.000 immagini realizzate da Paolo Gotti in occasione dei suoi numerosi viaggi che hanno interessato oltre 70 paesi nei cinque continenti: dal Niger alla Cina, da Haiti al Brasile, e ancora il Messico e il Guatemala, il Nepal, Ceylon e le Maldive, l’Indonesia, gli USA, il Canada, la Thailandia, i Caraibi, la Malesia, lo Yemen, il Venezuela, le Filippine, Cuba, l’India, il Cile, la Bolivia, l’Islanda, l’Australia, la Colombia. Suggestioni internazionali – naturali, culturali, geografiche – che seguono il filo conduttore del grande “atlante visivo” che da decenni Paolo Gotti va componendo con la sua fedele Nikon. In mostra sono rappresentati non solo i paesaggi e i visi delle persone che Gotti ha incrociato dal 1974 a oggi, ma soprattutto emerge evidentissimo lo sguardo del fotografo, mai disincantato ma sempre curioso ed entusiasta, convinto che la destinazione non esista senza il percorso e che il viaggio più bello sia quello che bisogna ancora compiere.

Sito: mugbo.it
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Francesco Messina. prodigi di bellezza. 120 opere a 120 anni dalla nascita

Vercelli (Piemonte)

Fino al 27 febbraio

Tre sedi (ARCA, Palazzo Arcivescovile, ex Chiesa di San Vittore), 120 opere, non poche di dimensioni rilevanti, per celebrare, a 120 anni dalla nascita, Francesco Messina (Linguaglossa, Catania 1900 – Milano 1995), scultore tra i maggiori dell’ultimo secolo. Le tre sedi accolgono grandi marmi, molti bronzi e ritratti di amici e colleghi – memorabili, tra i tanti, quelli di Lucio Fontana, Salvatore Quasimodo, Riccardo Bacchelli (con il monocolo), Alfonso Gatto, Arturo Tosi, Eugenio D’Ors, mentre tra le figure femminili, in particolare danzatrici, il ritratto di Carla Fracci, Luciana Savignano e Aida Accolla. Non mancano opere dipinte di fascino assoluto, Lia Ranza, Isabella Ostini e Vittoria Leone. Tra le opere presenti nell’ARCA una sezione è dedicata ai cavalli, che ci ricordano immediatamente l’immagine del grande cavallo morente modellato nel 1966 per il Palazzo della Rai di Roma.
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Fulvio Morella. Pars Construens

Milano (Lombardia) - Gaggenau DesignElementi Hub

Fino al 25 febbraio

“Pars Construens” è la prima parte dell'inedito progetto artistico “Blind Wood” con cui Fulvio Morella ha ripensato la scrittura in braille, di cui ricorre nel 2021 il bicentenario dall’ideazione. Il risultato sono
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Galileo Chini e il Simbolismo Europeo

Firenze (Toscana) - Villa Bardini

Fino al 25 aprile

È focalizzata sugli anni giovanili di Galileo Chini (Firenze 1873-1956), che lo resero famoso internazionalmente, la mostra intitolata “Galileo Chini e il Simbolismo”. Saranno esposti oltre 200 pezzi fra dipinti, disegni, illustrazioni e ceramiche, in un susseguirsi continuo di legami e parallelismi fra l’artista e l’arte internazionale che lo ispirò e che a lui si è ispirata. Saranno presenti opere dell’ambiente artistico tra simbolismo francese e mitteleuropeo, tra preraffaellismo e secessioni, che vede intrecciare il percorso di Chini con quello di artisti come Auguste Rodin, Gustav Klimt, Max Klinger, Ferdinand Hodler, William de Morgan, Aubrey Beardsley, Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Odilon Redon, Félix Vallotton, Pierre Bonnard e molti altri.

Sito: villabardini.it
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Ghiribizzi. Disegni inediti di Gillo Dorfles

Venezia (Veneto) - Fondazione Giorgio Cini

Fino al 31 gennaio

La mostra, curata da Aldo Colonetti e Luigi Sansone, raccoglie oltre al dipinto Vitriol (acronimo della frase latina “Visita Interiora Terrae Rectificando Invenies Occultum Lapidem”), 2010, e al disegno con il detto latino “Si ova struthionis sol excubare valet cur veri solis ope Virgo non generaret?”, 1990, di Alberto Magno, una selezione di venti disegni realizzati da Gillo Dorfles nel 2017, pochi mesi prima della sua morte avvenuta a Milano il 2 marzo del 2018. “Vitriol” così intensamente ispirato, sintetizza tutta la sua opera intrigante e stimolante, che ci riconduce all’essenza della vita, a percezioni lontane consce e inconsce, con sorprendente e compiaciuta curiosità.

Sito: cini.it
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Giampaolo Babetto. Segno e luce

Venezia (Veneto) - Basilica di San Giorgio Maggiore

Fino al 3 aprile

Giampaolo Babetto, artista di fama internazionale e creatore di gioielli (architetture da indossare) esposti in 42 musei del mondo e presenti nelle collezioni più raffinate, si confronta con il Sacro. Sceglie di farlo nella monumentale Basilica palladiana dell’Abbazia di San Giorgio Maggiore a Venezia, patrimonio storico-artistico della città lagunare e luogo indiscusso di culto e spiritualità. “Segno e luce” è una mostra che nasce dalla sensibilità dell’artista e su invito dell’abate Stefano Visintin o.s.b. e dei monaci benedettini che da anni, nell’ambito delle attività culturali della Benedicti Claustra, ramo onlus della comunità monastica, accolgono installazioni e interventi di arte contemporanea dei più noti artisti internazionali. Nello splendido scenario del Coro Maggiore, realizzato dall’artista fiammingo Albert van den Brulle nel 1598, con il progetto Rivelazioni in Coro, i monaci focalizzano l’attenzione sulla preziosa relazione tra l’arte contemporanea e i luoghi di culto. Ne scaturisce un fecondo dialogo sul tema delle arti pensate da sempre in funzione della Gloria Dei. Per l’edizione 2022, sul badalone del Coro Maggiore, il maestro padovano presenterà un’opera inedita che richiama con grande maestria alla genealogia di Gesù a partire da Jesse. Seguirà un percorso espositivo che eccezionalmente coinvolgerà anche la maestosa Sagrestia.
visioni

Giannetto Fieschi. Dentro al Sacro

Genova (Liguria) - Museo Diocesano

Fino al 26 febbraio

Sulla base del profondo e costante legame che i Fieschi hanno avuto nella storia e nella cultura della Città di Genova e nel centenario della nascita dell’illustre pittore ed incisore Giannetto Fieschi (Zogno, 1921 – Genova, 2010), il Comune si appresta a rendergli omaggio con un'ampia e articolata serie di mostre: prima tappa del grande progetto espositivo “Giannetto Fieschi. Un’Esposizione Antologica” è l'Esposizione “Giannetto Fieschi. Dentro al Sacro” all'interno del Museo Diocesano di Genova.
visioni

Gioia di ber. Ceramiche da vino e da acqua in Italia

Faenza (Emilia-Romagna) - MIC

Fino al 30 aprile

Il MIC di Faenza apre al pubblico una mostra dedicata alle ceramiche da vino e da acqua in Italia dall’antichità classica al design del XX-XXI secolo. La mostra si propone di focalizzare le forme ceramiche del bere dal mondo greco, etrusco e romano fino agli sviluppi del design contemporaneo, analizzando il loro impiego nella convivialità della tavola e legando l’uso delle ceramiche da vino e da acqua ai contesti sociali sviluppati da ogni epoca per coglierne gli elementi di originalità e quelli di continuità. La tematica della mostra è declinata attraverso circa 200 ceramiche del MIC con una proposta di forte impatto didattico ma anche di notevole valore artistico e culturale, che valorizza la vastità delle collezioni del Museo di Faenza. Le opere in mostra sono articolate in quattro sezioni che propongono un viaggio nei secoli all’insegna della convivialità e delle forme ceramiche legate al bere. Si parte dall’antichità classica con un’ampia varietà di vasellame ceramico correlato alla sfera del consumo del vino, quali l’anfora per trasportarlo, il cratere e l’oinochoe per servirlo, la kylix, lo skyphos e il kantharos per berlo.

Sito: micfaenza.org
visioni

Giorgio Morandi e Bertozzi & Casoni. Less is more

Bologna (Emilia-Romagna) - g.a.m.

da sabato 15. Fino al 30 aprile

Dopo il loro esordio proprio alla Galleria d'Arte Maggiore g.a.m. all’inizio degli anni Ottanta, Bertozzi & Casoni, ormai conosciuti a livello internazionale, tornano ad esporre tra le mura della galleria. Tema principale della mostra l’omaggio a Giorgio Morandi, presentato sia con una selezione di “Fiori” e “Paesaggi” del Maestro, sia con dei veri e propri “d'aprés Morandi” che il duo Bertozzi & Casoni ha realizzato interpretando e filtrando la lezione morandiana attraverso la ceramica, il loro mezzo prediletto. In queste opere di Bertozzi & Casoni non solo la tavolozza da accesa si fa pastello, ma la loro indagine sulla vanitas e sulla caducità - da sempre condotta attraverso istantanee di flora e fauna e di avanzi della civiltà di consumo - coinvolge anche i fiori di Morandi, che interpretati da loro nascondono tra i petali una presenza di vita dai colori cangianti: piccoli insetti pronti a trasformarsi in un rebus ambiguo, che lascia aperta la porta a più risposte.

Sito: maggioregam.com
visioni

Giovanni Gastel. The people I like

Milano (Lombardia) - Triennale

Fino al 13 marzo

Un omaggio al fotografo Giovanni Gastel (Milano, 1955 –2021) attraverso due mostre: “The people I like”, in collaborazione con il MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, e “I gioielli della fantasia”, in collaborazione con il Museo di Fotografia Contemporanea. “The people I like”, a cura di Uberto Frigerio con allestimento di Lissoni Associati, presenta oltre 200 ritratti che sono la testimonianza dell’immensa varietà d’incontri che ha caratterizzato la lunga carriera di Gastel. Un labirinto di volti, pose, sogni di personaggi del mondo della cultura, del design, dell’arte, della moda, della musica, dello spettacolo, della politica. In parallelo, la mostra “I gioielli della fantasia”, realizzata in collaborazione con il Museo di Fotografia Contemporanea, presenta uno dei primi lavori di successo internazionale di Giovanni Gastel: 20 immagini parte di un più ampio progetto commissionato all’autore da Daniel Swarowsky Corporation nel 1991 per l’omonimo libro e la mostra di gioielli del XX secolo, entrambi curati da Deanna Farneti Cera.

Sito: triennale.org
visioni

Hi Woman La notizia del futuro

Prato (Toscana) - Museo di Palazzo Pretorio

Fino al 27 febbraio

Palazzo Pretorio porta a Prato 22 artiste internazionali per la mostra “Hi Woman! La notizia del futuro” a cura di Francesco Bonami. 22 donne non per rispettare una correttezza politica scontata ma per sottolineare la centralità del soggetto femminile nella narrazione antica e contemporanea. Huma Bhabha, Irma Blank, Koo Donghee, Marlene Dumas,Isa Genzken, Jessie Homer French, Roni Horn, Jutta Koether, Andrew LaMar Hopkins, Maria Lassnig, Babette Mangolte, Lucy McKenzie, Aleksandra Mir, Susan Philipsz, Paola Pivi, Maja Ruznic, Jenny Saville, Fiona Tan, Genesis Tramaine, Andra Ursuta, Marianne Vitale, Lynette Yiadom-Boakye. 22 artiste che contemporaneamente sono nel ruolo dell’angelo e della Vergine, che contemporaneamente sono portatrici e destinatarie di una rivoluzione astratta, simbolica e profondamente concreta.

Sito: palazzopretorio.prato.it
visioni

I Capolavori delle Collezioni Private e 2121

Milano (Lombardia) - Museo della Permanente

Fino al 6 febbraio

Al primo piano, DART continua il suo format espositivo continuativo “I Capolavori delle Collezioni Private”, un format espositivo continuativo realizzato grazie a prestiti da parte di collezionisti privati, che DART ripropone al pubblico per dare la possibilità di ammirare capolavori di ogni epoca storico-artistica realizzati da Maestri del calibro di Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio) e Sebastiano Ricci, oltre che esponenti del Modernismo e dell’Arte Concettuale. Al piano terra, ospiterà invece “2121”, la prima esposizione museale dedicata alla Crypto Art, come anche in altre occasioni il Museo della Permanente ha ospitato le prime esposizioni di importanti correnti artistiche.

Sito: dartmilano.com
ragazzi

I Love Lego

Firenze (Toscana) - Museo degli Innocenti

Fino al 31 gennaio

I leggendari mattoncini, che hanno fatto parte dell’infanzia di ogni bambino ma anche del divertimento di tanti adulti, saranno protagonisti dell’autunno 2021 nella mostra “I LOVE LEGO” al Museo degli Innocenti di Firenze, all’interno della cornice dell’Istituto degli Innocenti da sempre impegnata nell’accoglienza e nella difesa e promozione dei diritti di bambini e adolescenti. Supportata da tante attività pensate ad hoc per tutte le fasce d’età, “I LOVE LEGO” presenta, tra 7 fantastici diorami creati da un gruppo di collezionisti tra i più importanti in Europa, anche eccezionali riproduzioni site specific a firma di Luca Petraglia di due monumenti iconici della città: la facciata della Basilica di Santa Croce e il Campanile di Giotto del Duomo di Firenze.

Sito: ilovelegofirenze.it
visioni

Il sogno di Antonio: un viaggio tra arte e tessuto

Como (Lombardia)

Fino al 31 gennaio

Intrecciando antichi reperti tessili, opere d’arte contemporanea e materiali d’archivio l’esposizione ripercorre la vita, l’opera e la visione dell’industriale e mecenate Antonio Ratti, uno dei grandi imprenditori che nel secondo dopoguerra hanno saputo, insieme alla sua azienda Ratti S.p.A., ricostruire l’Italia industriale a partire da una profonda concezione filantropica e culturale.

Sito: fondazioneratti.org
visioni

In the Garden of Eden. A landscape of things with Alessandro Mendini and friends

Milano (Lombardia) - Antonio Colombo Arte Contemporanea

Fino al 14 marzo

Alessandro Mendini ha sempre messo al centro del suo lavoro la collaborazione con altri autori: artisti, architetti, designer, artigiani, musicisti, scrittori... Dalla redazione della leggendaria rivista Casabella al suo anno della “Nuova Utopia” con Domus, dallo Studio Alchimia all’Atelier Mendini, dalla produzione Alessi al Groningen Museum, sono centinaia, forse migliaia i nomi con cui ha lavorato sull’idea che da gruppi e associazioni, per quanto eterogenee, possano nascere piccole e grandi rivoluzioni estetiche. La mostra In the Garden of Eden (il Paradiso terrestre che compare anche in uno dei suoi diagrammi filosofici), nata da un’idea di Antonio Colombo e curata da Stefano Casciani con la collaborazione di Elisa e Fulvia Mendini, raccoglie a sua volta le opere di alcuni autori che lo hanno accompagnato in progetti piccoli e grandi. Si forma così simbolicamente ancora un nuovissimo gruppo, a rappresentare la varietà e l’originalità di idee e atteggiamenti individuali che Mendini ha saputo spesso scoprire e diffondere. Nella mostra e nel catalogo che lo accompagna, le opere presentate - dipinti, disegni, sculture, ceramiche, vetri, mobili e oggetti, come pezzi unici o come edizioni - definiscono tutte insieme un paesaggio intellettuale, culturale e fisico di autori che sono una presenza importante nel panorama artistico e progettuale, italiano e internazionale. Si dimostra così il “Teorema di Mendini”: l’idea del lavoro collettivo può tanto più realizzarsi, generare opere importanti, avere una vita lunga e felice, quanto più generosa è l'apertura di ogni progetto ad altre voci, in un grande Gesamtkunstwerk di visioni, forme e persone.

Sito: colomboarte.com
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Ironia – Temporalità – Déplacement

Milano (Lombardia) - Galleria Fumagalli

Fino al 4 febbraio

La Galleria Fumagalli presenta il terzo appuntamento del ciclo espositivo “MY30YEARS – Coherency in Diversity” ideato dal critico Lóránd Hegyi per omaggiare i trent’anni di attività di Annamaria Maggi alla guida della galleria. Le 8 mostre delineano temi in comune e sorprendenti connessioni tra 12 artisti, seguiti o rappresentati dalla galleria, la cui ricerca artistica è generalmente collocata in contesti differenti. Ogni appuntamento del ciclo prevede il dialogo tra 3 artisti su specifici temi evitando qualsiasi imposizione concettuale, ma lasciando totale autonomia di significato alle opere. Individuando nella triade tematica “Ironia – Temporalità – Déplacement” un punto di incontro tra opere pur generate da riflessioni differenti, il critico e curatore Lóránd Hegyi presenta un inedito dialogo tra il poliedrico maestro americano Dennis Oppenheim, la coppia francese di fama internazionale Anne & Patrick Poirier e la nuova proposta della galleria: l’artista tedesco Thorsten Brinkmann.

Sito: galleriafumagalli.com
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Italo Zuffi. Fronte e retro

Bologna (Emilia-Romagna) - MAMbo

da giovedì 20. Fino a 1 maggio

“Fronte e retro” è il titolo della mostra personale di Italo Zuffi (Imola, 1969) che si articola in due spazi, il MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna e Palazzo De’ Toschi, sede delle iniziative dedicate all’arte contemporanea di Banca di Bologna. Il progetto permette di presentare per la prima volta in modo esteso il lavoro di uno degli artisti italiani più importanti tra quelli nati alla fine degli anni Sessanta. “Fronte e retro” è idealmente divisa in due momenti, in grado di richiamarsi e rilanciarsi reciprocamente: da una parte, al MAMbo, un percorso che permette di rileggere il lavoro dell’artista prendendo in considerazione uno spettro di opere che va dagli esordi, alla metà degli anni Novanta, fino al 2020. Dall’altra, a Palazzo De’ Toschi, una serie di nuove produzioni, di lavori realizzati per l’occasione e in reazione alle caratteristiche dello spazio, tocca alcuni degli aspetti nodali della sua ricerca recente.

Sito: mambo-bologna.org
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Jacopo Valentini. Concerning Dante - Autonomous Cell

Bologna (Emilia-Romagna) - Museo Civico Medievale

da giovedì 20. Fino al 30 aprile

La mostra “Concerning Dante - Autonomous Cell” di Jacopo Valentini al Museo Civico Medievale di Bologna, a cura di Carlo Sala, è un progetto fotografico legato all’immaginario dantesco che ripercorre lungo l’Italia i viaggi reali compiuti dal poeta e quelli letterari attraverso il suo capolavoro, la Divina Commedia. Le opere dell’autore sono esposte lungo i tre piani della collezione permanente del museo, creando così un dialogo formale e ideale che in alcuni passaggi si fa particolarmente eloquente, come con la colossale statua realizzata da Manno di Bandino che ritrae papa Bonifacio VIII, personaggio centrale nei rivolgimenti politici fiorentini che provocarono l'esilio del poeta.

Sito: museibologna.it/arteantica
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Jeff Koons. Shine

Firenze (Toscana) - Palazzo Strozzi

Fino al 30 gennaio

Palazzo Strozzi ospita una nuova grande mostra dedicata a Jeff Koons, una delle figure più importanti e discusse dell’arte contemporanea a livello globale. A cura di Arturo Galansino e Joachim Pissarro, la mostra porta a Firenze una selezione delle più celebri opere di un artista che, dalla metà degli anni Settanta a oggi, ha rivoluzionato il sistema dell’arte internazionale. Sviluppata in stretto dialogo con l’artista, la mostra “Jeff Koons. Shine” ospita prestiti provenienti dalle più importanti collezioni e dai maggiori musei internazionali, proponendo come originale chiave di lettura dell’arte di Jeff Koons il concetto di “shine” (lucentezza) inteso come gioco di ambiguità tra splendore e bagliore, essere e apparire.

Sito: palazzostrozzi.org
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Klimt. La Secessione e l’Italia

Roma (Lazio) - Museo di Roma a Palazzo Braschi

Fino al 27 marzo

Il Museo di Roma a Palazzo Braschi ospita la mostra “Klimt. La Secessione e l’Italia”, un evento espositivo che segna il ritorno in Italia dell’artista austriaco con alcuni dei suoi capolavori provenienti dal Museo Belvedere di Vienna, dalla Klimt Foundation e da collezioni pubbliche e private come la Neue Galerie Graz. La mostra ripercorre la vita e la produzione artistica di Klimt, sottolineandone il ruolo di cofondatore della Secessione viennese e indagando sul suo rapporto con l’Italia, meta dei suoi viaggi e luogo di alcuni suoi successi espositivi. Sono circa 200 le opere esposte, tra dipinti, disegni, manifesti d’epoca e sculture di Klimt e degli artisti della sua cerchia.

Sito: museodiroma.it
visioni

L’arte e la città

Prato (Toscana) - Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci

Fino al 12 giugno

Il Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci di Prato presenta “L’arte e la città / Art and The City”, una mostra a cura di Stefano Pezzato che mette in dialogo un’ampia selezione di opere dalle collezioni museali con rari materiali d'archivio. Concepita come espressione diretta della città di Prato, dove il Centro Pecci è stato fondato e ha la propria sede, ma anche come riflesso di un contesto metropolitano in costante rinnovamento ed estensione, l'area tra Firenze, Prato e Pistoia dove il Centro Pecci è inserito e opera, questa nuova mostra presenta una panoramica inesplorata dei rapporti fra arte contemporanea e ambiente urbano. Il percorso espositivo si articola in tre sezioni che si articolano all’interno dell'Ala grande del museo, che si estende e affaccia sull'asse di Viale della Repubblica: la città indagata e interpretata da diversi artisti contemporanei; l'arte prodotta negli ultimi decenni, che si riferisce o si integra alla realtà urbana; l'arte contemporanea nel tessuto di Prato e nella cornice stessa del Centro Pecci, che la rappresenta e la promuove.

Sito: centropecci.it
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L’incanto del paesaggio. Disegno, arte, tecnologia

Rancate (Svizzera) - Pinacoteca cantonale Giovanni Züst

Fino al 25 aprile

Tra la metà dell’Ottocento e la prima metà del Novecento il territorio ticinese è stato gradualmente scoperto e descritto da molti naturalisti e uomini di scienza, da geografi, fotografi, pittori, storici dell’arte: essi hanno percorso e analizzato, sia con gli strumenti scientifici, sia attraverso gli strumenti tecnici propri della loro epoca e del loro mestiere (il disegno, il rilievo morfologico, l’incisione, la fotografia, la pittura ad olio…) il paese in cui vivevano e operavano. È un territorio interamente costruito, nella sua fisicità, da un’onnipresente e aspra natura alpina e soprattutto dagli uomini che nel corso dei secoli l’hanno utilizzata, vissuta e talvolta trasformata: è un’opera aperta, sempre plasmabile, che racchiude in sé, in un grande palinsesto, elementi naturali che talvolta assurgono a simbolo cui gli abitanti hanno costantemente attribuito una funzione e un significato differente nel corso del tempo, manufatti ed edifici utilitari o rappresentativi che ne hanno profondamente modellato l’aspetto. Questa esposizione vuole illustrare le intuizioni e le tecniche utilizzate da coloro che, a partire da metà Ottocento, guardarono e interpretarono con occhi nuovi e nuovi strumenti di indagine il loro territorio. Nacquero così le prime elaborazioni cartografiche, le carte topografiche Dufour e Siegfried, allestite secondo aggiornati criteri geodetici e trigonometrici, misurati e stabiliti con precisione (e grandi fatiche) sul terreno.

Sito: www.ti.ch/zuest
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L’Italia è un giardino. Di ricerche estetiche agresti

Bellano (Lombardia) - Spazio Circolo

Fino al 19 marzo

Non lontano dalle liriche poetiche dei lungometraggi di Giuseppe Taffarel e Ermanno Olmi, in cui la vita rurale e contadina dettava l’estetica visiva di un’epoca, il progetto “L’Italia è un giardino. Di ricerche estetiche agresti” riunisce alcune delle presenze più significative del panorama italiano, che pongono al centro della propria indagine l’esperienza con la natura, osservata, contemplata, condivisa, inclusa e adoperata come soluzione interpretativa al linguaggio culturale dei nostri tempi.

Sito: archivivitali.org
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La Cina (non) è vicina. Badiucao – opere di un artista dissidente

Brescia (Lombardia) - Museo di Santa Giulia

Fino al 13 febbraio

L’esposizione La Cina (non) è vicina. BADIUCAO - opere di un artista dissidente è la prima personale dedicata a Badiucao, pseudonimo dell’artista-attivista cinese noto per la sua arte di protesta, attualmente operante in esilio in Australia. Il percorso espositivo ripercorre l’attività artistica di Badiucao, dagli esordi alle opere più recenti che sono nate in risposta alla crisi sanitaria innescata dalla pandemia di Covid-19. Badiucao, spesso conosciuto come il Banksy cinese, si è affermato sul palcoscenico internazionale grazie ai social media, coi quali diffonde la propria arte in tutto il mondo – il suo account twitter @badiucao è seguito da più 80 mila persone –, e sfida costantemente il governo e la censura cinese. La sua vocazione artistico-politica nasce nel 2007, quando, studente di Legge all’Università di Shanghai vede il documentario The Gate of Heavenly Peace, un girato clandestino diretto da Carma Hinton e Richard Gordon sulle proteste di Piazza Tienanmen. L'artista sviluppa una ferma decisione di esprimersi in prima linea contro ogni forma di controllo ideologico e morale esercitato dal potere politico, a favore della trasmissione di una memoria storica non plagiata. Il suo impegno politico si realizza, infatti, nella creazione di campagne partecipative, affissioni in luoghi pubblici, illustrazioni e attività online, spesso costruite con un linguaggio visivo che evoca ironicamente lo spirito pop della propaganda comunista, ricalcandone lo stile grafico, i colori e i toni. Grazie al suo blog, ai social media e a campagne di comunicazione organizzate, Badiucao dall’Australia ha portato avanti la propria attività di resistenza, diventando l’unico canale non filtrato dal controllo governativo capace di trasmettere i racconti dei cittadini di Wuhan durante il lockdown del 2020. Nel 2020 gli è stato conferito dalla Human Rights Foundation il Premio Václav Havel Prize for Creative Dissent, destinato ad artisti che creativamente denunciano gli inganni delle dittature.
visioni

La fabbrica del Rinascimento. Processi creativi, mercato e produzione a Vicenza. Palladio, Veronese, Bassano, Vittoria

Vicenza (Veneto) - Basilica Palladiana

Fino al 18 aprile

Alla metà del Cinquecento a Vicenza accade qualcosa di unico, per certi aspetti incredibile. Fra le aree più dinamiche in Europa per la produzione e per il commercio della seta, la città, forte di una ricchezza crescente, scommette sulla trasformazione della propria immagine di “luogo di provincia” attraverso l’arte e l’architettura d’avanguardia, diventando una vera capitale della cultura. Committenti colti e cosmopoliti, i nobili vicentini credono alle visioni di un gruppo di giovani artisti geniali, ambiziosi, che diverranno famosi in tutto il mondo. A legarli è la passione per l’arte nuova nutrita dall’Antico, nata nella Roma di Michelangelo e Raffaello, quella che Vasari definirà la “maniera moderna”. Ai giovani artisti è ben chiaro che la forza dirompente di questo nuovo linguaggio permetterà loro di sfidare e scalzare i venerati e celebri maestri e i loro modelli tradizionali, dominanti a Venezia. Sono il genio dell’architettura Andrea Palladio, i pittori Paolo Veronese e Jacopo Bassano, il grande scultore Alessandro Vittoria. È da queste premesse che prende avvio la mostra, unica nel suo genere, che intrecciando capolavori assoluti di pittura, scultura e architettura, accostati a libri, tessuti, oggetti preziosi, arazzi, trasporterà i visitatori indietro nel tempo, all’interno della sorprendente “fabbrica” del Rinascimento, raccontando trent’anni dell’eccezionale vita artistica di Vicenza, dal 1550 all’inaugurazione del teatro Olimpico nel 1585.

Sito: mostreinbasilica.it
visioni

La forma dell’infinito

Udine (Friuli-Venezia Giulia) - Casa Cavazzini

Fino al 27 marzo

Casa Cavazzini ospita “La forma dell’infinito”, una grande rassegna di respiro europeo che propone la visione di cinquanta capolavori, molti dei quali mai visti in Italia e realizzati dai più importanti protagonisti dell’arte negli ultimi due secoli. Attraverso le opere di pittori come Claude Monet, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Alfred Sisley, Henri Matisse, Dante Gabriel Rossetti, Michail Nesterov, František Kupka, Vasilij Kandinskij, Aristarch Lentulov, Natal’ja Gončarova, Odilon Redon, Maurice Denis, Jacek Malczewski, Mikalojus Čiurlionis, Nikolaj Roerich, Medardo Rosso, Umberto Boccioni, Pablo Picasso, Emilio Vedova, Ernst Fuchs, Hans Hartung e altri ancora, la mostra conduce il visitatore a riflettere su un tema fondamentale dell’esistenza: la grande domanda di infinito e trascendenza a partire dalla finitezza umana.
visioni

La fragile bellezza. Istoriato castellano fra XVII e XVIII secolo

Teramo (Abruzzo) - Pinacoteca Civica

Fino al 1 maggio

Sono esposte le “fragili bellezze” uscite dai laboratori ceramici di Castelli in provincia di Teramo, che si sono imposti sulla scena internazionale grazie alla realizzazione di manufatti ceramici caratterizzati da soluzioni sperimentali ardite e dalla rielaborazione di immagini ricavate dalla pittura contemporanea, come i pezzi in mostra che si segnalano, nell’ambito della produzione italiana sei e settecentesca, per la qualità degli smalti ravvivati dall’applicazione dell’oro, per la accuratezza della resa pittorica e per la adesione ai repertori figurativi più aggiornati del tempo. Si tratta di un insieme abbastanza omogeneo per epoca e per qualità che racconta per lo più lo stile e l’espressione artistica della più influente famiglia di maiolicari abruzzesi Grue e che comprende una targa devozionale raffigurante Sant’Antonio da Padova ascrivibile a Liborio Grue, una Sacra Famiglia di ispirazione cortonesca attribuibile a Candeloro Cappelletti ed una serie di piatti con paesaggi arcadici nello stile di Nicola Grue il Giovane, appartenente ad un ramo collaterale della famiglia.

Sito: comune.teramo.it
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Marco Neri

Ascoli Piceno (Marche) - Galleria d’Arte Contemporanea Osvaldo Licini

Fino al 27 febbraio

La Galleria d’Arte Contemporanea Osvaldo Licini di Ascoli Piceno presenta la mostra dell’artista Marco Neri, vincitore della prima edizione del Premio Osvaldo Licini. La mostra si compone di oltre quaranta opere, che variano per tecnica e tema: dalla tempera su carta del 2007 (Magna Carta), alla serie dei padiglioni del 2010 esposta nella sua interezza, formata da 26 tempere su carta e fino alla prima serie composta da 3 opere realizzate con lo scotch. Il percorso prosegue con un altro tema fondamentale per l’artista, le bandiere. In mostra ce ne sono 12 rosse, omaggio all’opera Comizio di Giulio Turcato, realizzate nel 2012 con la tecnica del collage e 3 realizzate ad acrilico (Botswana, Micronesia, Estonia) nel 2016. Il fulcro dell’esposizione è al secondo piano del Museo che ospita una serie inedita prodotta dall’artista per il Premio Osvaldo Licini, composta da 12 opere dal titolo Corso Magenta quasi a simboleggiare una via dell’arte che si sviluppa tra i dodici padiglioni nazionali della Biennale di Venezia ritratti con questo colore. Il rosso magenta non è soltanto un colore primario, che non deriva dalla mescolanza di altri colori, ma è anche il colore della camicia di Harald Szeemann che indossava aggirandosi all’interno dei giardini della Biennale di Venezia del 2001 da lui curata - dove Neri ha esposto sulla facciata del padiglione centrale (ex padiglione Italia) – e che diventava un punto di riferimento, una figura di contatto tra l’artista e il suo pubblico.

Sito: galleriartecontemporanea.it
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Maria D. Rapicavoli e Giulio Squillacciotti

Castelbuono (Sicilia) - Museo Civico

Fino al 30 gennaio

Il Museo Civico di Castelbuono presenta i due film vincitori del VI bando dell'Italian Council che entrano nella collezione del Museo Civico: “The Other: A Familiar Story” di Maria D. Rapicavoli e “What has left since we left 2020” di Giulio Squillacciotti. I film saranno esposti dal 28 novembre 2021 al 30 gennaio 2022 all’interno degli spazi espositivi delle ex-scuderie e nella Sala San Giorgio del Castello dei Ventimiglia.

Sito: museocivico.eu
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Mario Giacomelli e Giacomo Leopardi. Poetare per immagini

Venezia (Veneto) - Galleria Alberta Pane

Fino al 31 gennaio

Mario Giacomelli si è ispirato di frequente a componimenti poetici. La serie presentata in occasione della mostra al centro PHOS consiste di 34 fotografie vintage intese a rendere in immagini il canto “A Silvia” di Giacomo Leopardi. Tale serie fu ideata dal maestro nel 1964 su proposta del critico e fotografo Luigi Crocenzi nell’ambito di un programma di “traduzione” iconica di testi poetici. Per l’occasione Crocenzi aveva fornito un vero e proprio storyboard e Giacomelli si era impegnato a realizzare le relative fotografie. La sequenza, che aveva fini didattici, andò in onda il medesimo anno durante la trasmissione televisiva “Telescuola”, con accompagnamento della voce recitante di Giancarlo Sbragia. L’interesse di Giacomelli per la poesia e per la sua trasposizione fotografica non si limitò però a quell’episodio, ma anzi proseguì durante tutto il suo percorso artistico; ne testimoniano le serie di immagini ispirate a componimenti di Eugenio Montale, Edgar Lee Masters, Emily Dickinson, Franco Costabile, Vincenzo Cardarelli, Mario Luzi, Sergio Corazzini e la collaborazione con Francesco Permunian. In ogni caso, com’è noto, anche al di là della sua passione per la poesia, Giacomelli era interessato ad un approccio lirico e visionario alla fotografia, finalizzato a suscitare sentimenti ed emozioni più che a documentare fatti concreti. Nel 1988 egli tornò ad ispirarsi alla poesia “A Silvia”, elaborando una seconda serie di immagini in cui adottò un metodo espositivo più dichiaratamente simbolico e metaforico, distante da qualunque tentativo di rendere in maniera diretta gli enunciati del componimento. Quest’ultima sequenza è documentata in mostra dalle pubblicazioni relative. Saranno inoltre visionabili le riproduzioni di alcune lettere dell’epistolario intercorso tra Giacomelli e Crocenzi, e tra quest’ultimo e il Conte Pierfrancesco Leopardi (il materiale fotografico ed epistolare proviene dal Fondo Crocenzi dell’Archivio CRAF di Spilimbergo).

Sito: phosfotografia.com
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Mario Testino: Unfiltered

Milano (Lombardia) - 29 ARTS IN PROGRESS gallery

Fino al 28 febbraio

In anteprima mondiale e per la prima volta in Italia, 29 ARTS IN PROGRESS gallery presenta “Mario Testino: Unfiltered”, la prima grande personale del celebre artista e fotografo mai ospitata in una galleria d’arte. Il progetto espositivo si svilupperà a Milano in due appuntamenti: il primo dall’1 ottobre al 27 novembre 2021 e il secondo dal 2 dicembre al 28 febbraio 2022. Accanto alle più introvabili e iconiche opere fotografiche in grande formato, la galleria milanese presenterà in esclusiva anche un corpo di opere inedite, disponibili in nuovi formati ed edizioni, svelando così il lato meno conosciuto, più spontaneo e intimo dell’artista.

Sito: 29artsinprogress.com
visioni

Mattia Pajè. Fuori Terra

Bologna (Emilia-Romagna) - Palazzo Vizzani

da giovedì 20. Fino al 20 febbraio

“Fuori Terra” è un gruppo scultoreo di Mattia Pajè composto da figure umanoidi immerse in un ambiente installativo. Le sculture, modellate in resina bicomponente, sono organizzate in modo da formare diversi elementi aneddotici, leggibili come una cosmogonia creata dall’artista a partire da due alfabeti visivi: l'estetica new age e quella della televisione commerciale. Lo spazio nel quale sono installate è punteggiato da objet-trouvé, selezionati e dislocati dall’artista a seguito delle sue sperimentazioni su prodotti coinvolti nelle pratiche spirituali e pseudoscientifiche (con fini curativi, di crescita personale e di sviluppo di abilità paranormali), e di una serie di visite agli archivi televisivi che conservano allestimenti e scenografie. L’ambiente in cui gli oggetti sono inseriti è raccordato tramite l’utilizzo di argilla cruda che, applicata come isola di sostegno, permette ai nuclei scultorei di emergere da uno stesso indistinto strato grigio.

Sito: alchemilla43.it
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Medioevo a Pistoia. Crocevia di artisti fra Romanico e Gotico

Pistoia (Toscana) - Antico Palazzo dei Vescovi / Museo Civico

Fino a 8 maggio

In occasione dell'anno Iacobeo Pistoia Musei presenta la mostra “Medioevo a Pistoia. Crocevia di artisti fra Romanico e Gotico”, a Pistoia (Antico Palazzo dei Vescovi e Museo Civico). A cura di Angelo Tartuferi, Enrica Neri Lusanna e Ada Labriola, la mostra si propone di illustrare – per la prima volta – lo straordinario panorama delle arti a Pistoia dal XII agli inizi del XV secolo. Attraverso una selezione di opere – dipinti, sculture, oreficerie e codici miniati – la mostra rivelerà il ruolo di primo piano assunto nel Medioevo dalla città nel campo delle arti figurative.

Sito: fondazionepistoiamusei.it
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Michelangelo: l’effigie in bronzo di Daniele da Volterra

Firenze (Toscana) - Galleria dell’Accademia

Fino al 18 aprile

Per la prima volta saranno esposti in un’unica sede tutti gli esemplari antichi dei busti in bronzo di Michelangelo, attribuiti a Daniele da Volterra, provenienti da vari musei internazionali come il Museo del Louvre, il Musée Jacquemart-André a Parigi e l'Ashmolean Museum of Art and Archaeology a Oxford, affrontando così il complesso rapporto tra originali e derivazioni. Il problema della cronologia e della fusione delle effigi bronzee di Michelangelo è rimasto da tempo nell’ambito degli studi di storia dell’arte un punto da chiarire: fatta eccezione per il busto di Casa Buonarroti a Firenze, rimasto per secoli di proprietà degli eredi, sussiste infatti una sostanziale incertezza circa la provenienza dei numerosi esemplari esistenti in varie collezioni italiane e straniere.

Sito: galleriaaccademiafirenze.it
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Mike Nelson. The House of the Farmer

Parma (Emilia-Romagna) - Palazzo dell’Agricoltore

Fino al 12 giugno

Si presenta come un lavoro monumentale, viscerale e poetico il progetto ideato da Mike Nelson per il Palazzo dell’Agricoltore di Parma che dal 24 settembre 2021 occuperà i cinque piani dell’edificio sito nel cuore della città emiliana. Curata da Didi Bozzini, la mostra affonda le radici nella storia dell’edificio riflettendo sul ruolo politico, economico e sociale ricoperto in 82 anni dalla costruzione avvenuta nel 1939 e ancora oggi testimoniato dal nome, Palazzo dell’Agricoltore, e dal titolo della mostra, The House of the Farmer. Il palazzo fu sede della corporazione che costituiva l’organo di direzione delle attività agricole sotto il governo del regime fascista, vale a dire il luogo in cui il lavoro dell’uomo sulla natura veniva trasformato in esercizio del potere politico. In questo contesto l’installazione di Nelson è stata ideata per condurre il visitatore attraverso l'intero spazio ridisegnando l’immagine dell'edificio come una scultura in sé. La scala e il pavimento imponente e ripetitivo, tipici di tali edifici burocratici, sono stati cadenzati dagli interventi di Nelson realizzati con materiali naturali presi da un terreno bonificato di dimensioni proporzionate al palazzo. Un intero paesaggio selvaggio alle porte della città — ripulito dai materiali che rendono più difficile la pratica dell’agricoltura quali rocce, tronchi d'albero, rami e radici, l’intero fianco di una collina — è stato spostato all'interno dell'edificio per diventare parte integrante della sua struttura, della sua architettura. Questa rete di tracce visive, evocativa ma non descrittiva, traccia un percorso mentale e materiale nella memoria, tra riflessione e fantasia, tra natura e cultura.

Sito: palazzodellagricoltore.it
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Mirella Saluzzo. Fuori asse

Ravenna (Emilia-Romagna) - Fondazione Sabe per l’arte

Fino al 19 febbraio

Aprono i battenti della Fondazione Sabe per l’arte, che fa il suo debutto con la mostra personale “Fuori asse” dell’artista Mirella Saluzzo, a cura di Elena Di Raddo. Il nuovo spazio espositivo, all’interno di un edificio ottocentesco completamente rimodernato a pochi passi dal MAR - Museo d'Arte della città di Ravenna, intende porsi quale punto di riferimento per la promozione e la diffusione dell’arte contemporanea, con una particolare attenzione alla scultura. La mostra inaugurale presenta otto sculture recenti dell’artista Mirella Saluzzo (Alassio, 1943): forme fluide modellate a partire da sottili lastre di alluminio, un materiale flessibile e luminoso che l’artista incurva con un movimento scultoreo paragonabile – come scrive la curatrice Elena Di Raddo nel testo critico che accompagna la mostra – a quello proprio dell’arte giapponese dell’origami: un procedimento pieno di attenzione e cura, che conferisce identità, bellezza e forma a ciò che in partenza è identico a sé stesso, celebrando al tempo stesso il rapporto intimo, tattile e sensitivo tra l’artista e la materia.

Sito: sabeperlarte.org
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Mirrored in Spectral Machines

Milano (Lombardia) - Stazione Lancetti del Passante ferroviario

da mercoledì 19. Fino al 16 febbraio

“Mirrored in Spectral Machines” è un progetto nato dall’ibridazione di due ricerche artistiche. La ricerca di Clarissa Falco ruota intorno ai termini “macchina” e “corpo”, ponendo attenzione alla vita macchinica attraverso l’uso di elementi meccanici e industriali, come motori, ponteggi e ingranaggi, con i quali costruisce macchine utopiche che non funzionano, “corpi sterili” che si oppongono alle dinamiche di categorizzazione che caratterizzano i giorni nostri: se qualcosa non funziona la società la mette da parte e questo accade anche con i nostri corpi. Parallelamente, la ricerca di Camilla Alberti, si focalizza sui concetti di “mostro” e “rovine”: luoghi e oggetti abbandonati, privati della loro appartenenza, divengono spazi dinamici in cui specie ibride tra organico e inorganico collaborano, ponendo in dialogo metodi abitativi e costruttivi differenti.

Sito: www.artcuratorgrid.com/venues/spazioserra/
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Monet. Dal Musée Marmottan Monet, Parigi

Milano (Lombardia) - Palazzo Reale

Fino al 30 gennaio

Un percorso espositivo dove ad accogliere il pubblico ci saranno 53 opere di Monet tra cui le sue Ninfee (1916-1919), Il Parlamento. Riflessi sul Tamigi (1905) e Le rose (1925-1926), la sua ultima e magica opera: un prestito straordinario non solo perché riunisce alcune delle punte di diamante della produzione artistica di Monet, ma anche per l’enorme difficoltà di questo periodo nel far viaggiare le opere da un paese all’altro. Il percorso cronologico ripercorre l’intera parabola artistica del Maestro impressionista, letta attraverso le opere che l’artista stesso considerava fondamentali, private, tanto da custodirle gelosamente nella sua abitazione di Giverny; opere che lui stesso non volle mai vendere e che ci raccontano le più grandi emozioni legate al suo genio artistico.

Sito: monetmilano.it
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Monte Verità. Back to nature

Firenze (Toscana) - Museo Novecento

Fino al 20 aprile

Il Museo Novecento, in collaborazione con la Fondazione Monte Verità (Ascona Canton Ticino), presenta “Monte Verità. Back to nature”, la prima mostra in Italia dedicata alla celebre collina dell'utopia, ai suoi fondatori e agli ospiti illustri che la frequentarono. Dall’anarchico Bakunin al coreografo ungherese Rudolf von Laban, dal dadaista Hugo Ball all’architetto del Bauhaus Walter Gropius, dall'artista Hans Arp a Paul Klee, dal grande scrittore Hermann Hesse a Carl Gustav Jung, molti intellettuali videro in questo luogo un buen retiro sospeso nel tempo e lontano dal dramma delle guerre e dallo scontro ideologico fra capitalismo e comunismo che stava attraversando l'Europa. Culla di un’esistenza impostata su ritmi primigeni, il Monte Verità divenne laboratorio di una nuova cultura, una contro-cultura nata in risposta al conformismo borghese e al pensiero dominante, che attrasse pensatori e anarchici, filosofi, teosofi, letterati, artisti e architetti da ogni paese.

Sito: museonovecento.it
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Nadia Nespoli. Offerte di tempo

Milano (Lombardia) - Spazio Aperto San Fedele

Fino al 15 febbraio

La mostra di Nadia Nespoli “Offerte di tempo” presenta una serie di tele monocrome realizzate con un intreccio manuale all’uncinetto. Queste opere di fiber art costituiscono l’esito materiale di un progetto artistico che ha coinvolto il lavoro manuale di donne e uomini detenuti all’interno del carcere di Bollate, che hanno accolto l’invito dell’artista a collaborare, offrendo il loro tempo. Nel corso del 2019 Nadia Nespoli ha affidato a persone detenute di età, grado di istruzione ed esperienza di vita diverse delle matasse di filo di cotone, chiedendo a ciascuna di realizzare con il punto alto una tela, senza mai disfarla durante l’esecuzione. Ognuna delle opere (intitolata con il nome di chi l’ha realizzata) porta con sé un’evocazione di mani e dita che intrecciano un tessuto fatto di pieni e di vuoti, talvolta irregolari. Il filo con cui le tele sono realizzate è di colori diversi: bianco, rosso, arancione, viola, giallo, verde, rosa, blu. Anche le dimensioni variano, così come le forme: rettangoli ma anche poligoni irregolari, con punti interrotti e ripresi, intervallati da nodi a vista. La proposta dell’artista ha stimolato una vera e propria performance collettiva, pretesto per la creazione di un dialogo. Nadia Nespoli ha così “incontrato” ciascuna persona con la sua storia, e il risultato di questo percorso condiviso appare monocromo ed essenziale. Ogni “offerta di tempo” si dispiega attraverso una tecnica antica, dove il filo di cotone simboleggia il filo di un legame, del dialogo interiore che muta e progredisce con lo sguardo dell’osservatore.

Sito: sanfedele.net
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Nado Canuti. Il lungo volo

Milano (Lombardia) - Galleria Area\B

da martedì 18. Fino al 19 marzo

Curata da Alessandra Redaelli, la personale di Nado Canuti raccoglie un corpus di circa quindici opere - tra sculture in marmo, ottone e bronzo, installazioni e collage – dello scultore senese. Partendo da un focus antologico dedicato alle prime opere scultoree prodotte tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, si approda a opere inedite e di più recente creazione, quali collage, grandi sculture mobili da appoggio o appese al soffitto e opere da parete in cui la pittura – di impostazione quasi monocromatica – si contamina in tecniche miste pensate come bassorilievi. La storia personale di Nado Canuti è imprescindibile per comprendere il suo percorso artistico e coglierne il messaggio e la cifra stilistica. Nato in provincia di Siena nel 1929, giovane uomo della Resistenza, nel settembre del 1943, mentre ancora ragazzino raccoglie armi da consegnare, uno degli ordigni recuperati gli esplode in mano comportando la traumatica amputazione della mano sinistra e di alcune dita della destra. Un incidente che segnerà la sua carriera artistica di un’impronta di malinconia, all’inizio, ma capace anche di determinare una reazione potente e di scatenare una costante ricerca di completezza e di gioia proprio nell’arte. Da qui l’evoluzione di Nado Canuti sembra svolgersi al contrario rispetto all’usuale: da un esordio di impronta espressionista e drammatica, fatto di figure magre e soggetti dove le mani non sono visibili, a un progressivo rasserenarsi e un crescente ottimismo - specie a seguito della nascita del figlio nel 1971 - testimoniato nei suoi lavori dall’alleggerirsi dei materiali, che passano dal cemento al ferro e ai materiali sintetici, e dall’ingresso prepotente del colore. Anche i soggetti rappresentati diventano nel tempo leggeri e raccontano la sua trasformazione da artista malinconico a sognatore.

Sito: areab.org
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Nelle sommosse e nelle guerre. Gli archivi milanesi durante l’età napoleonica

Milano (Lombardia) - Archivio di Stato

Fino al 31 gennaio

Nell’ambito delle celebrazioni per il bicentenario della scomparsa di Napoleone Bonaparte, l’Archivio di Stato di Milano ospita la mostra “Nelle sommosse e nelle guerre” che analizza quali furono le conseguenze e le ricadute prodotte dall’arrivo del nuovo potere napoleonico sugli archivi milanesi. Mentre l’Italia era investita dall’impetuosa avanzata delle truppe comandate dal generale Bonaparte, nel chiuso degli archivi prendeva il via una battaglia più silenziosa, ma destinata a produrre effetti duraturi nel tempo. Nel giro di un quarto di secolo, dal 1796 al 1821, molti archivi italiani subirono razzie, trasferimenti improvvisi, accorpamenti e smembramenti, frutto delle alterne vicende belliche che segnarono l’età napoleonica e i primi anni della Restaurazione. L’esposizione presenta una serie di documenti, carte, pergamene dall’alto significato simbolico, oltre a intestazioni finemente decorate, sigilli, progetti di monumenti, stampe e molti altri pezzi rari tratti dai fondi del patrimonio archivistico milanese.

Sito: archiviodistatomilano.beniculturali.it
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Nicola Bolla

Rovereto (Trentino-Alto Adige) - Mart

Fino al 13 febbraio

Il Mart presenta un nucleo di opere di Nicola Bolla (Saluzzo, 1963). Composti con centinaia di carte da gioco, alcuni mandala, una stella e un coccodrillo accolgono il visitatore e lo accompagnano dal piano interrato verso le sale. La poetica dell’artista è ispirata alle stravaganze del Barocco e del Roccocò, di cui recupera la libertà d’interpretazione e lo spirito vivace. In particolare lo sguardo di Bolla è affascinato dalle raccolte delle Camere delle meraviglie. L’uso delle carte da gioco evoca la costruzione di cosmi attraverso la scrupolosa e minuziosa sovrapposizione di segni, le cui combinazioni sfiorano l’infinito. Ludiche e affascinanti, le forme e le visioni di Nicola Bolla volgono le spalle all’arte impegnata, restituendo narrazioni che lasciano apparire il lato più ironico e arguto della vita.

Sito: mart.tn.it
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No Curves. Movimento Geometrico

Milano (Lombardia) - Spazio Eventi Palazzo Pirelli

da mercoledì 19. Fino al 16 febbraio

La mostra di No Curves – Movimento Geometrico raccoglie 15 anni di tape art e arte urbana dell’artista lombardo. Sono esposte le opere più significative di No Curves, provenienti da fondazioni, musei, collezionisti privati e prestigiose collaborazioni con realtà dell’imprenditoria lombarda ed internazionale. La mostra racconta l’evoluzione dell’opera dell’artista partendo dai suoi primi manifesti d’arte urbana sino alle opere murali e partnership con il mondo del design e della moda.
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Nulla è perduto. Arte e materia in trasformazione

Bergamo (Lombardia) - Gamec

Fino al 13 febbraio

La GAMeC di Bergamo presenta la mostra “Nulla è perduto. Arte e materia in trasformazione”, a cura di Anna Daneri e Lorenzo Giusti, secondo capitolo della “Trilogia della Materia. Il progetto coinvolge storici dell’arte, curatori, filosofi e scienziati per affrontare un discorso trasversale attorno al tema della materia, attivando contestualmente un dialogo con la storia delle scoperte scientifiche e con lo sviluppo delle teorie estetiche. Il programma prevede un ciclo di tre mostre, accompagnate da altrettante pubblicazioni, contraddistinte dalla presenza di autori e opere di generazioni diverse. Dopo il primo appuntamento del ciclo, dedicato all’essenza della materia in dialogo con le teorie della fisica moderna, la seconda mostra in programma rivolgerà lo sguardo al lavoro di quegli artisti che, in momenti diversi, hanno indagato le trasformazioni della materia traendo ispirazione dalla vita degli elementi per sviluppare una riflessione sulla realtà delle cose, sul mutamento e sul tempo.

Sito: gamec.it
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Paolo Novelli. Il giorno non basta

Brescia (Lombardia) - Galleria Massimo Minini

da sabato 15. Fino al 26 febbraio

“Paolo Novelli è un fotografo giovane e neo-classico: nuovo nel pensiero, antico nella qualità; mentre la fotografia va sul digitale lui sostiene con forza l’analogico: pellicola, sali d’argento, sviluppo”. Massimo Minini nel 2016, in occasione di una sua mostra, così lo presenta. Sono passati alcuni anni e Paolo Novelli continua a essere giovane e neo-classico, continua a prediligere l’analogico al digitale, a imporsi sempre nuovi pensieri. Nel 2016 aveva affrontato un viaggio nel mondo della notte, “La notte non basta”, che avrebbe potuto avere come sottotitolo “la notte non basta a capire”. Oggi con “Il giorno non basta”, che a sua volta potrebbe avere come extension “a fuggire”, lui stesso dichiara l’intenzione di suggellare un dittico, di concludere in modo definitivo un dialogo a distanza, nel tempo e nei luoghi, iniziato con le immagini delle finestre chiuse, ritratte nelle luci terse della notte invernale e continuato nella luce violenta, estiva, che illumina finestre murate. Ognuno può leggervi metafore diverse, non solo la fine di un dialogo ma forse la sua impossibilità: là dove la finestra chiusa rifiutava l’incontro, la finestra murata potrebbe suggerirne l’inutilità. Le immagini di Paolo Novelli sollevano interrogativi che non pretendono risposte ma le sue parole, i suoi racconti, aggiungono elementi che modificano la percezione e la lettura del suo lavoro. Immagine dopo immagine, finestra dopo finestra, il ritmo dei silenzi si somma e ci introduce in un mondo di luci taglienti e di ombre nettissime, di grafismi definitivi dove nulla è possibile e dove tutto è possibile.

Sito: galleriaminini.it
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Pier Paolo Pasolini. Non mi lascio commuovere dalla fotografia

Genova (Liguria) - Palazzo Ducale

Fino al 13 marzo

Pier Paolo Pasolini è stato probabilmente l’intellettuale più scomodo, acuto e controverso del secondo Novecento italiano. Scrittore, opinionista, giornalista e regista, ha dispiegato il suo pensiero in una moltitudine di opere e documenti e il suo lascito intellettuale lo rende una delle figure cardine del dibattito culturale nazionale e internazionale del secondo dopoguerra. A ridosso del centenario della sua nascita (Bologna, 1922) la mostra vuole ricordare la figura di Pier Paolo Pasolini e le varie esperienze culturali della sua carriera, attraverso una diversa chiave di lettura: la fotografia. Pasolini è stato infatti fotografato molte volte durante la sua carriera artistica, e molti di questi scatti sono divenuti ormai immagini iconiche del poeta. La mostra presenta un lungo e appassionato lavoro di ricognizione fotografica sui ritratti di Pasolini e metaforicamente il suo volto, la sua pelle, la sua figura diventano lo spazio privilegiato per comprenderne la poetica. Dall’infanzia e dalla giovinezza, e in particolare dal periodo friulano, fino alle ultime fotografie scattate da Dino Pedriali nel 1975, anno della morte, il progetto espositivo si dipana in un percorso cronologico che permette, attraverso le immagini e gli altri documenti che le accompagnano, di comprendere la poetica, l’impegno sociale, le scelte letterarie di Pier Paolo Pasolini. Un corpus di fotografie complesso, con approcci e sensibilità diverse, nel quale i fotografi scelti sono chiamati a svolgere il ruolo delicato di testimoni e di creatori di archetipi della vita del poeta. Solo per citarne alcuni: Henri Cartier-Bresson, Richard Avedon, Letizia Battaglia, John Phillips, Mario Dondero, Paolo Di Paolo, Mimmo Cattarinich, Dino Pedriali, Ugo Mulas, Franco Vitale, André Morain e molti altri. Attraverso questi ritratti il volto di Pasolini diventa “l’atlante” per leggere il suo lavoro, la sua personalità e il suo pensiero, e provare al tempo stesso a svelare gli aspetti umani e personali di quell’uomo ineffabile, assassinato al Lido di Ostia in circostanze ancora non chiare.

Sito: palazzoducale.genova.it
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Piet Mondrian. Dalla figurazione all’astrazione

Milano (Lombardia) - Mudec

Fino al 27 marzo

La mostra porta per la prima volta a Milano un progetto espositivo interamente dedicato all’artista olandese e al processo evolutivo artistico che lo portò dalla figurazione all’astrazione, dalla tradizione del paesaggio olandese allo sviluppo del suo stile unico, che l’ha reso inconfondibile e universalmente celebre. Filo conduttore su cui si esplica il confronto tra le opere del primo periodo “figurativo” a quelle del periodo “astratto” è quello del paesaggio. Una chiave di lettura visuale e dunque immediata dell’evoluzione stilistica dell’artista, utile peraltro alla comprensione delle stesse opere interamente astratte del suo ultimo periodo.

Sito: mudec.it
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Quayola. Re-coding

Roma (Lazio) - Palazzo Cipolla

Fino al 30 gennaio

Dal 29 settembre Palazzo Cipolla a Roma ospiterà la prima mostra monografica di Quayola (1982), artista romano di origine e londinese di adozione, tra gli esponenti più importanti della media-art a livello internazionale. Quella di Palazzo Cipolla è la cornice ideale per esporre l’arte di Quayola, da sempre animata da un confronto permanente tra l’educazione classica e l’uso quotidiano dei mezzi di espressione visiva più futuristici. La mostra abbraccia quasi tutta la produzione dell’artista, ospitando opere realizzate tra il 2007 e il 2021, un viaggio immersivo nella vera essenza della sua arte computazionale. Il progetto espositivo si sviluppa in tre aree tematiche: iconografia classica, sculture non finite, e tradizione della pittura di paesaggio.
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Realismo Magico

Milano (Lombardia) - Palazzo Reale

Fino al 27 febbraio

“Precisione realistica di contorni, solidità di materia ben poggiata sul suolo; e intorno come un'atmosfera di magia che faccia sentire, traverso un'inquietudine intensa, quasi un'altra dimensione in cui la vita nostra si proietta...” Così, nel 1928, lo scrittore, giornalista e drammaturgo Massimo Bontempelli sintetizza il carattere di una specifica declinazione dell’arte italiana tra le due guerre mondiali. Fu un fenomeno di portata transnazionale che, con acutezza critica e intelligente intuizione, il critico d'arte monacense Franz Roh, in un suo celebre saggio dedicato alla pittura contemporanea tedesca e pubblicato nel 1925, definì Realismo Magico. “Realismo Magico” è anche il titolo della mostra in programma a Palazzo Reale di Milano, a cura di Gabriella Belli e Valerio Terraroli, con più di ottanta capolavori di questa complessa e affascinante corrente artistica.

Sito: mostrarealismomagico.it
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Rethinking Nature

Napoli (Campania) - Madre

Fino al 2 maggio

Con “Rethinking Nature” il Madre inaugura un nuovo format, in cui il concetto di mostra incontra quello di piattaforma multidisciplinare. Il progetto indaga, attraverso lo sguardo dell'arte contemporanea, su temi legati all’ecologia politica e sulla necessità etica di costruire un nuovo rapporto fra gli esseri umani e gli ecosistemi di cui essi fanno parte, declinando un pensiero critico condiviso tramite nuove produzioni di opere e una programmazione di eventi e laboratori che coinvolgono artisti e ricercatori di geografie e sensibilità diverse. La mostra, che si snoda attraverso l’intero terzo piano del museo, si apre con opere di artisti italiani e internazionali che riflettono sulle radici storiche di una visione colonialista della natura in quanto riserva permanente di cui appropriarsi. Una serie di progetti scultorei e di video porta l’analisi al giorno d’oggi, illustrando le pratiche odierne di sfruttamento delle risorse naturali che, protette da politiche governative e multinazionali, sopprimono le istanze critiche di numerose minoranze e indeboliscono ecosistemi delicati e complessi. La mostra prosegue attraverso pratiche multidisciplinari incentrate sulla spiritualità, la guarigione ecologica e i saperi tradizionali, articolando l’urgenza di sviluppare relazioni etiche con l’ambiente e il pianeta. Presentando progetti che uniscono saperi ancestrali a pratiche di attivismo sociale e politico, il percorso espositivo offre nuove interpretazioni della natura, articolando vocabolari critici e approcci ecologici che si liberano da retaggi coloniali ed eurocentrici.

Sito: madrenapoli.it
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Robert Capa. Fotografie oltre la guerra

Abano terme (Veneto) - Villa Bassi Rathgeb

da sabato 15. Fino al 5 giugno

È un Capa “altro”, quello che questa grande mostra propone. E lo dichiara già dal sottotitolo, quel “fotografie oltre la guerra”, frase emblematica dello stesso Capa, che pone l’attenzione proprio sui reportage poco noti del grande fotografo”. Reportage poco noti, ma non meno importanti e potenti. Semplicemente sopraffatti dall’immagine di lui come straordinario interprete dei grandi conflitti. Una mostra che vuole far uscire Capa dallo stereotipo di “miglior fotoreporter di guerra del mondo”, come ebbe a definirlo nel 1938 la prestigiosa rivista inglese Picture Post. L’obiettivo è invece puntare tutta l’attenzione sulla sua fotografia lontana dalla guerra.

Sito: museovillabassiabano.it
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Robert Doisneau

Rovigo (Veneto) - Palazzo Roverella

Fino al 31 gennaio

Insieme a Henri Cartier-Bresson, Doisneau è considerato uno dei padri fondatori della fotografia umanista francese e del fotogiornalismo di strada. Con il suo obiettivo cattura la vita quotidiana degli uomini e delle donne che popolano Parigi e la sua banlieue, con tutte le emozioni dei gesti e delle situazioni in cui sono impegnati. Questa mostra a Palazzo Roverella abbraccia la sua opera senza distinzioni cronologiche né alcun criterio di genere o tema, affiancando fabbriche, banconi di bistrot, portinerie, cerimonie, club di jazz, scuole o scene di strada in generale.

Sito: www.palazzoroverella.com/mostra/robert-doisneau/
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Ruth Orkin. Leggenda della fotografia

Bassano del Grappa (Veneto) - Musei Civici

Fino al 2 maggio

Il Museo Civico di Bassano del Grappa propone la prima retrospettiva italiana di Ruth Orkin, leggendaria figura di fotoreporter ma anche cineasta con il cortometraggio “Little Fugitive”, realizzato assieme al marito Morris Engel, nominato agli Oscar nel 1953 e poi Leone d’argento a Venezia. L’opera di Orkin arriva in Italia in concomitanza del centenario della nascita della fotografa (1921). Le immagini di Orkin sono delle intense interpretazioni, qualunque sia il soggetto del suo sguardo: personaggi illustri del mondo hollywoodiano o newyorchese - come Robert Capa, Lauren Bacall, Albert Einstein o Woody Allen - o situazioni di vita straordinariamente ordinaria. Emblematiche le immagini riprese perpendicolarmente dalla finestra del suo appartamento sul Central Park o la celeberrima “Ragazza americana in Italia”, icona della fotografia del Novecento che ha il primato di essere il secondo poster più venduto al mondo e che ancora oggi, al tempo del “mee too”, sollecita accese discussioni sul tema del sessismo.
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Salvatore Scarpitta

Milano (Lombardia) - A arte Invernizzi

Fino al 17 febbraio

La galleria A arte Invernizzi presenta una mostra personale di Salvatore Scarpitta. L’esposizione, ideata dall’artista tedesco Günter Umberg in collaborazione con Luigi Sansone, curatore del Catalogo ragionato di Salvatore Scarpitta, indaga il rapporto che si istituisce fra le trenta opere esposte - che mostrano il fare creativo di Scarpitta dai suoi esordi sino al 1992 - e fra esse e lo spettatore, offrendo una visione inedita sull’opera dell’artista.

Sito: aarteinvernizzi.it
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Sebastião Salgado. Amazônia

Roma (Lazio) - Maxxi

Fino al 13 febbraio

Per sei anni Sebastião Salgado ha viaggiato nell’Amazzonia brasiliana, fotografando la foresta, i fiumi, le montagne e le persone che vi abitano. La mostra, in anteprima in Italia, con più di 200 opere ci immerge nell’universo della foresta mettendo insieme le impressionanti fotografie di Salgado con i suoni concreti della foresta. Il fruscio degli alberi, le grida degli animali, il canto degli uccelli o il fragore delle acque che scendono dalla cima delle montagne, raccolti in loco, compongono un paesaggio sonoro, creato da Jean-Michel Jarre. La mostra mette in evidenza la fragilità di questo ecosistema, mostrando che nelle aree protette dove vivono le comunità indiane, guardiani ancestrali, la foresta non ha subito quasi alcun danno e ci invita a vedere, ascoltare e a riflettere sulla situazione ecologica e la relazione che gli uomini hanno oggi con essa.

Sito: maxxi.art/
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Sguardi di Pietra. Venezia vista dalle sue statue. Fotografie di Marco Sabadin

Venezia (Veneto) - Fondaco dei Tedeschi

Fino al 30 marzo

Il Fondaco dei Tedeschi presenta la mostra fotografica “Sguardi di Pietra. Venezia vista dalle sue statue”, una selezione di 52 immagini del fotografo Marco Sabadin su Venezia attraverso l’occhio privilegiato di un drone che ha sorvolato la città nel 2020 durante il lockdown della primavera scorsa e continuato nel 2021. Un viaggio che inizia dalla stazione e arriva fino all'Arsenale, passando per San Marco, Rialto, San Polo, toccando S. Nicolò dei Mendicoli per risalire ancora fino alla Salute giungendo finalmente attraverso la Giudecca all'isola di San Giorgio. 52 pannelli fotografici stampati di diversa grandezza e posti a diverse altezze rispetto al punto di ripresa.
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Simone D’Auria. My world

Milano (Lombardia) - Spirale Milano

Fino al 30 gennaio

Il cuore di Milano si arricchisce di un nuovo luogo espositivo: “Spirale milano | art&co”, in via Moneta 6. L’evento inaugurale è “My World”, la personale di Simone D’Auria (Bergamo, 1976), una delle personalità artistiche più interessanti del panorama creativo internazionale che ha pensato per l’appuntamento a una mostra/installazione che occupi i diversi livelli in cui si sviluppa la galleria. La mostra presenta 60 opere capaci di esplorare la ricerca più recente dell’autore bergamasco di nascita, ma milanese di adozione, tratte da alcuni dei suoi cicli più famosi.

Sito: bi-boxartspace.com
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Sisto V e Pericle Fazzini. Gloria e Memoria

Montalto delle Marche (Marche) - Palazzo Paradisi

Fino al 30 giugno

L’esposizione “Sisto V e Pericle Fazzini. Gloria e Memoria” vuole raccontare due figure – un Papa visionario e uno dei maggiori scultori italiani del Novecento - apparentemente distanti tra loro, ma che hanno vari aspetti in comune. Nascono entrambi a Grottammare – Sisto V nel 1521 e Fazzini nel 1913 –, entrambi operano a Roma ma non abbandonano mai le loro radici e l’amore per la terra natale, e si dimostrano molto legati al borgo di Montalto delle Marche - sede principale della mostra - città d’origine della famiglia di Sisto V, che lui stesso definì “Patria carissima”, e per cui Fazzini realizzò una delle sue ultime sculture, proprio dedicata al Pontefice.

Sito: sisto500.it
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Sonia Leimer. Via San Gennaro / Vittorio Accornero – Edina Altara. Gruppo di famiglia con immagini

Nuoro (Sardegna) - MAN

Fino al 23 gennaio

Il MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro presenta due grandi esposizioni in contemporanea: “Via San Gennaro”, personale di Sonia Leimer (Merano, 1977), curata da Luigi Fassi e dedicata al progetto che ha vinto l’Italian Council del 2018, e “Vittorio Accornero - Edina Altara. Gruppo di famiglia con immagini”, prima retrospettiva interamente concepita in omaggio al lavoro e alle figure di Vittorio Accornero de Testa (Casale Monferrato, 1896 - Milano, 1982) e Edina Altara (Sassari, 1898 - Lanusei, 1983), curata da Luca Scarlini.

Sito: museoman.it
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Soviet Georgia. Viaggio nell'architettura brutalista tra Europa ed Asia

Trieste (Friuli-Venezia Giulia) - DoubleRoom Arti Visive

da giovedì 20. Fino al 4 marzo

A due anni di distanza tornano ospiti del Trieste Film Festival i fotografi d’architettura Roberto Conte e Stefano Perego nella continuazione del loro viaggio esplorativo nelle architetture brutaliste e moderniste degli ex paesi sovietici. Dopo la mostra Modernistan tenutasi al Mercato Coperto e dedicata all’architettura sovietica in Asia Centrale (tra gli eventi dell’edizione 2019 del Trieste Film Festival), il Trieste Film Festival ospita ora 25 scatti che compongono un articolato reportage che va a testimoniare il patrimonio architettonico sovietico della Georgia dalla fine degli anni Sessanta alla fine degli anni Ottanta. Un viaggio quasi fuori dal tempo che restituisce l’immagine di una Georgia del passato, quando era legata all’URSS, e del presente, caratterizzata dalla lotta per l’identità. L’eredità sovietica, nell’architettura come nelle altre sfere del vivere, evidenzia le peculiarità e i contrasti di uno Stato transcontinentale affacciato al Mar Nero che si adagia proprio sulla linea di demarcazione che convenzionalmente separa l'Europa dall'Asia. La Georgia, che ha dato i natali al sovietissimo Stalin, risulta oggi agli occhi dei fotografi come un paese in transizione tra un passato totalitario e un futuro incerto, con un’eredità architettonica dal taglio brutalista e modernista costituita da edifici spesso riconvertiti. Un paesaggio urbano che caratterizza tutto il paese, dai monumenti con figure umane esasperatamente espressioniste alla rudezza delle geometrie astratte del cemento a vista. L’architettura ancora una volta fu strumento privilegiato dai sovietici per esercitare la loro ideologia, glorificando l’Unione Sovietica, ma ci furono anche tentativi di fondere stili architettonici diversi, come nel caso del palazzo dell’Ex Ministero per la Costruzione delle Autostrade del 1975, un singolare progetto che tentò di mescolare, ancora in piena era sovietica, le diverse influenze architettoniche della tradizione georgiana, come i suoi caratteristici tetti, con le utopie dei metabolisti e i grattacieli orizzontali di El Lissitzky.

Sito: triestefilmfestival.it
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Spazio radicale

Prato (Toscana) - Centro Pecci

Fino al 30 aprile

La mostra “Spazio Radicale/Radical Space” prosegue e approfondisce la ricognizione sulle esperienze dell'Architettura Radicale raccolte al Centro Pecci di Prato. La nuova mostra propone diversi progetti includendo inoltre opere della collezione museale, insieme a materiali del CID/Arti Visive e in particolare dell’Archivio Lara-Vinca Masini, per allargare il contesto delle ricerche “radicali” fra la seconda metà degli anni Sessanta e gli anni Settanta del Novecento e offrire confronti inediti fra queste e l’arte contemporanea. Il percorso presenta, in modo articolato e ricco di suggestioni, le perlustrazioni dello “spazio” proposte da architetti “radicali” e artisti contemporanei: lo spazio immaginato, ideato e quello ripreso dal vero; il luogo possibile e il suo opposto, l’improbabile; l’ambito condiviso, vissuto oppure quello contestato, combattuto; l’esplorazione analitica e la trasfigurazione metaforica.

Sito: centropecci.it
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Steve McCurry. Animals

Nichelino (Piemonte) - Palazzina di Caccia di Stupinigi

Fino a 1 maggio

Il progetto “Animals” ha origine nel 1992 quando Steve McCurry svolge una missione nei territori di guerra nell’area del Golfo per documentare il disastroso impatto ambientale e faunistico nei luoghi del conflitto. Tornerà dal Golfo con alcune delle sue più celebri immagini icone, come i cammelli che attraversano i pozzi di petrolio in fiamme e gli uccelli migratori interamente cosparsi di petrolio. Con questo reportage vincerà nello stesso anno il prestigioso Word Press Photo. Il premio fu assegnato da una giuria molto speciale, la Children Jury, composta da bambini di tutte le nazioni. Da sempre, nei suoi progetti, McCurry pone al centro dell’obiettivo le storie legate alle categorie più fragili, esplorando, con una particolare attenzione ai bambini, la condizione dei civili nelle aree di conflitto e documentando le etnie in via di estinzione e le conseguenze dei cataclismi naturali. A partire da quel servizio del 1992, McCurry ha volto il suo sguardo empatico al mondo degli animali. In mostra gli animali saranno protagonisti di sessanta scatti iconici, che racconteranno al visitatore le mille storie di una vita quotidiana dove uomo e animale sono legati indissolubilmente. Un affresco corale dell’interazione e della condivisione, che tocca i temi del lavoro e del sostentamento che l’animale fornisce all’uomo, delle conseguenze dell’agire dell’uomo sulla fauna locale e globale, dell’affetto che l’essere umano riversa sul suo pet, qualunque esso sia.

Sito: mostramccurry.com
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Steve McCurry. Icons

Conegliano (Veneto) - Palazzo Sarcinelli

Fino al 13 febbraio

Steve McCurry è uno dei più grandi maestri della fotografia contemporanea, oltre che un punto di riferimento per un vasto pubblico che identifica nel suo obiettivo uno degli strumenti più infallibili per la lettura delle dinamiche del nostro tempo. “Steve McCurry. Icons” presenta, per la prima volta nella regione Veneto, una selezione di oltre 100 fotografie, capace di fornire una completa rappresentazione del suo particolare stile e della sua esclusiva visione estetica. Il percorso espositivo accompagnerà il visitatore alla scoperta del suo talento, con immagini di grande impatto emotivo e di sicura fascinazione. L’esposizione ha l’ambizione di gettar luce sulle molteplici esperienze artistiche e di reportage del grande fotografo: a partire dai primi storici viaggi in India e poi in Afghanistan dove Steve McCurry ebbe l’opportunità di seguire i Mujaheddin al tempo della guerra contro la Russia, quando l’accesso al paese era interdetto ai visitatori occidentali. Proprio dall’Afghanistan proviene Sharbat Gula, la ragazza resa celebre dalla prima pagina del National Geographic e conosciuta dal fotografo nel campo profughi di Peshawar in Pakistan.

Sito: artikaeventi.com
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Sturm&Drang

Milano (Lombardia) - Osservatorio Fondazione Prada

Fino al 22 gennaio

“Sturm&Drang” esplora le applicazioni, le esperienze e gli ambienti legati alla Computer-generated imagery (CGI) con l’obiettivo di svelare la complessità della modellazione al computer e analizzare l’attuale produzione di immagini e il loro impatto sulla nostra percezione quotidiana. L’acronimo CGI indica una pluralità di contenuti visivi statici o animati, creati attraverso l’uso di software di imaging. Questa produzione di immagini e video è finalizzata a diversi ambiti e attività, tra i quali gli effetti speciali al cinema, i videogiochi, le chat room virtuali, ma anche il contesto militare, la medicina, l’ingegneria, la progettazione architettonica, le arti visive, la pubblicità, la televisione, e ancora, le applicazioni di realtà aumentata (AR) e realtà virtuale (VR). Rafforzata dalla pandemia, la CGI sta guadagnando una presenza crescente nella vita quotidiana anche attraverso i social media.

Sito: fondazioneprada.org
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Tapio Wirkkala alla Venini e Toni Zuccheri alla Venini

Venezia (Veneto) - Isola di San Giorgio Maggiore 8

Fino al 13 marzo

Tapio Wirkkala e Toni Zuccheri alla Venini è la doppia mostra autunnale a Le stanze del vetro, curata da Marino Barovier e dedicata alla produzione di due artisti e designer che furono presenti alla Venini dagli anni Sessanta. Ognuno di loro, con la sua forte personalità, contribuì a caratterizzare la produzione della vetreria che, in quegli anni di grande trasformazione, non solo seppe proporre nuovi modelli senza rinunciare all’uso del colore, ma riuscì anche a rispondere alle nuove esigenze di essenzialità provenienti dal mondo del design. Il primo aspetto venne sviluppato in particolare con il lavoro di Toni Zuccheri, a cui si deve la straordinaria serie di volatili e animali da cortile, a cui presto si affiancarono vasi dalle intense colorazioni e dalla linea organica, ispirata al mondo vegetale. Dal 1966, la fornace si avvalse inoltre della collaborazione del finlandese Tapio Wirkkala che, forte di un’esperienza nel mondo del vetro nordico alla manifattura Iittala, portò un nuovo approccio in laguna cercando di coniugare la sua cultura con le lavorazioni muranesi, raggiungendo risultati significativi.

Sito: lestanzedelvetro.org
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The poetry of translation

Merano (Trentino-Alto Adige) - Kunst Meran Merano Arte

Fino al 13 febbraio

Kunst Meran Merano Arte indaga l’appassionante fenomeno della traduzione attraverso una mostra collettiva. 30 importanti artisti e artiste, nazionali e internazionali, proporranno oltre 70 lavori capaci di far luce sul processo della traduzione da prospettive inedite. Per la prima volta, saranno messe in relazione le opere di artiste e artisti tra cui Annika Kahrs, Anri Sala, Babi Badalov, Ben Vautier, Carla Accardi, Cerith Wyn Evans, Christine Sun Kim & Thomas Mader, Ettore Favini, Elisabetta Gut, Franz Pichler, Irma Blank, Jorinde Voigt, Kader Attia, Katja Aufleger, Ketty La Rocca, Kinkaleri, Lawrence Abu Hamdan, Lawrence Weiner, Leander Schwazer, Lenora De Barros, Maria Stockner, Mirella Bentivoglio, Siggi Hofer, Slavs and Tatars, Tomaso Binga.

Sito: kunstmeranoarte.org
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The World of Banksy – The Immersive Experience

Milano (Lombardia) - Stazione Centrale. Galleria dei Mosaici

Fino al 27 febbraio

Le opere di Banksy spuntano all'improvviso, da un giorno all’altro, regalando un tocco di bellezza e uno spunto di riflessione. Così l’artista di Bristol conquista questa volta Milano Centrale che ospita la nuova mostra “The World of Banksy – The Immersive Experience” presso Galleria dei Mosaici, lato IV Novembre. Dopo il successo dell’esposizione al Teatro Nuovo di Milano che ha fatto seguito alle edizioni di Parigi, Barcellona, Praga, Bruxelles e Dubai, l’arte di Banksy fa tappa a Milano Centrale, una delle più belle stazioni al mondo, la “porta” per eccellenza della città meneghina che ogni giorno accoglie visitatori e viaggiatori offrendo sempre nuove esperienze. La mostra immersiva presenta più di 30 nuove opere mai esposte prima, tra cui “Ozone Angel”, “Steve Jobs” “Napoleon” e “Waiting In Vain”, che vanno ad aggiungersi a lavori e murales realizzati da giovani artisti anonimi di tutta Europa. Il percorso presenta oltre 130 opere che raccontano il mondo del misterioso artista britannico, famoso per affrontare con ironia temi politici e di denuncia sociale. Vicino ai più iconici capolavori “Flower Thrower” e “Girl with Balloon” che lo hanno reso famoso in tutto il mondo, trova spazio anche una speciale sezione video che ripercorre la storia e il messaggio sociale dei murales realizzati da Banksy in strade, muri e ponti di tutto il mondo. Le opere esposte, eccentriche e incisive, danno modo allo spettatore di riflettere sul sistema e sulla società in cui viviamo; sono un simbolo di lotta e di protesta in un mondo in cui spesso gli interessi economici prevalgono su quello che dovrebbe essere il bene delle collettività. L’obiettivo di Banksy è quello di far emergere attraverso la sua arte i problemi che affliggono la società contemporanea e di sensibilizzare il pubblico sui temi del consumismo, della guerra e del potere attraverso l’utilizzo di immagini metaforiche, divertenti, provocatorie e di immediato impatto visivo. La mostra monografica “The World of Banksy – The Immersive Experience” a Milano Centrale è un’esperienza senza precedenti. La stazione è uno dei luoghi che più rappresenta la street art e il linguaggio universale di Banksy, in grado di arrivare al cuore, ai pensieri e all'anima di tutte le persone nel mondo.

Sito: theworldofbanksy.it/
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Thomas Hirschhorn. The Purple Line

Roma (Lazio) - Maxxi

Fino al 6 marzo

«Il mondo ha bisogno di essere depixelato», Thomas Hirschhorn. Questa è una delle frasi con cui Thomas Hirschhorn descrive i Pixel-Collages, un imponente ciclo di lavori realizzato fra il 2015 e il 2017. Per la prima volta riuniti insieme sono allestiti, seguendo un layout disegnato dall’artista, su un lunghissimo muro viola – The Purple Line – che attraversa la galleria 3. Un progetto che cerca di mostrare l’invisibile, rinegozia il contesto espositivo e stimola chi guarda a rimanere vigile e cosciente. La potenza di questa ricerca risiede nel farci riflettere sul controllo delle immagini, sulla loro autenticazione come “fatti”, sulla possibilità di rendere visibili le porzioni di realtà che sono sottratte al nostro sguardo attraverso la pixelatura, una tecnica in cui l’immagine diventa non riconoscibile. Queste opere, nate dal lavoro di ricombinazione di foto pubblicitarie affiancate a immagini di corpi mutilati, spesso creano imbarazzo in chi le guarda, facendoci riflettere su un concetto più volte espresso dall’artista: il dilagare dell’ipersensibilità nel mondo contemporaneo. Quello che Hirschhorn ricerca è uno stato di sensibilità, dato da uno sguardo che rimane vigile e cosciente di quello che ha intorno, senza negarlo; l’ipersensibilità, invece, porta spesso alla censura ed è paradossalmente legata all’autoprotezione e all’esclusione dell’altro.

Sito: maxxi.art
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Trieste Film Festival

Trieste (Friuli-Venezia Giulia) - luoghi diversi

da venerdì 21. Fino al 30 gennaio

Nato alla vigilia della caduta del Muro di Berlino, il Trieste Film Festival è il primo e più importante appuntamento italiano con il cinema dell’Europa centro orientale: da trent’anni un osservatorio privilegiato su cinematografie e autori spesso poco noti – se non addirittura sconosciuti – al pubblico italiano, e più in generale a quello “occidentale”. Tra i lungometraggi in concorso, il croato “Murina” di Antoneta Alamat Kusijanović (produttore esecutivo Martin Scorsese), “Caméra d’or” come migliore opera prima all’ultimo Festival di Cannes, che nella tensione tra una figlia adolescente e un padre ossessivo, destinata ad aumentare con l’arrivo in casa di un estraneo, legge le derive scioviniste (camuffate da “tratti culturali”) di un intero Paese. E un’altra storia di famiglia, stavolta più corale e tutta al femminile, presta alle bulgare Mina Mileva e Vesela Kazakova (e alla protagonista Maria Bakalova, diventata una star internazionale con Borat 2) l’opportunità di raccontare, in “Women Do Cry”, una società costituzionalmente (e l’avverbio non è usato a caso) maschilista e patriarcale, scossa dalle proteste nazionaliste contro la parità di genere. Tra favola ed epica, realismo e metafora, si muovono due autori già apprezzati a Trieste: Stefan Arsenijević, che in “As Far as I Can Walk” adatta nella Belgrado di oggi, snodo della rotta migratoria dei Balcani, il poema medievale Strahinja Banović, facendo di un giovane del Ghana l’eroe nazionale serbo. E il rumeno Radu Muntean, che in “Întregalde” si serve di una struttura drammaturgica da fiaba (con tanto di viaggio iniziatico) per mettere in discussione (o meglio in crisi) le certezze sulla solidarietà e l’empatia di un gruppo di amici in partenza per una missione umanitaria di fine anno. Mentre la presenza in concorso di “Bebia. À mon seul désir” di Juja Dobrachkous, ritorno a casa di una giovane modella costretta a confrontarsi con il ruolo complesso e talvolta crudele che la nonna appena scomparsa ha avuto nella sua infanzia, “apre” all’omaggio alle registe del cinema georgiano, protagoniste quest’anno della sezione “Wild Roses. Registe in Europa”.

Sito: triestefilmfestival.it
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TVBOY. La mostra

Milano (Lombardia) - Mudec

Fino al 9 febbraio

Il suo nome d’arte è TVBOY. Lo street artist Salvatore Benintende è a livello internazionale uno degli esponenti principali del movimento Street Art di matrice Neo Pop. Le sue opere sono esposte in diversi Paesi, dalla strada alle mostre museali. Ora Mudec Photo lo ospita per la prima volta a Milano in una personale dell’artista che svela al visitatore l’occhio ironico e satirico ma sempre attento alla riflessione con cui TVBOY reinterpreta i vari trend seguiti dalla società moderna attraverso la sua street art. “TVBOY. La mostra” racconta – attraverso più di 70 tele – il percorso di questo giovane e prolifico artista, soffermandosi sulle sue principali tematiche: l’amore, il potere, gli eroi, l’arte.

Sito: mudec.it
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Umberto Tirelli. Caricature per un teatro della vita

Modena (Emilia-Romagna) - Museo Civico

Fino al 25 aprile

L’esposizione propone 230 opere, tra disegni, sculture, pitture, maschere e burattini, in grado di approfondire la centralità di una figura che fece della caricatura l’unico e imprescindibile mezzo di espressione, giungendo a imporsi a livello nazionale ed europeo. Attraverso la sua multiforme produzione, Tirelli è stato in grado di offrire uno sguardo acuto e ironico sulla borghesia e sull’establishment locale e nazionale nel complesso dei loro aspetti sociali, politici e culturali, in un arco storico compreso tra la Belle Époque e la Grande Guerra, il fascismo e la Seconda Guerra Mondiale, fino alle tensioni internazionali che hanno segnato l'inizio della Guerra Fredda e gli albori del primo boom economico. Il cuore della rassegna è rappresentato dall’originale “Teatro nazionale delle Teste di legno”, alto più di 6 metri, completo di scenografie e burattini, eccezionalmente sopravissuto ed esposto al pubblico a un secolo dalla sua creazione nel 1921. È questo straordinario manufatto, caso unico di teatro caricaturale animato da burattini di grandi dimensioni raffiguranti i più noti esponenti della politica, del costume e della cultura nazionale del periodo, di cui fanno parte tra gli altri il re Vittorio Emanuele III, Gabriele D'Annunzio, Papa Benedetto XV, Giovanni Giolitti, Giosuè Carducci, Giacomo Puccini, Mussolini, Eleonora Duse, fino alle maschere della Commedia dell’arte e quella modenese di Sandrone, a tradurre le finalità che animano l'opera di Umberto Tirelli: diffondere, attraverso la caricatura, la consapevolezza nei confronti di un tempo segnato da inquietudini, populismi e ambizioni che dal fascismo hanno portato alla seconda guerra mondiale, non mancando di stimolare l'osservazione critica del mondo contemporaneo.

Sito: museocivicomodena.it
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Venetia 1600. Nascite e rinascite

Venezia (Veneto) - Palazzo Ducale

Fino al 25 marzo

Le vicende della Serenissima sono state segnate da innumerevoli momenti di crisi e rotture, così come da altrettante fasi di rigenerazione e rinnovamento. La storia di Venezia, in altre parole, risulta punteggiata da molteplici nascite e rinascite, esempi concreti di come la città sia sempre stata in grado di affrontare le sfide poste dal mutare dei tempi. La mostra “Venetia 1600. Nascite e rinascite” propone una lettura inedita della storia della Serenissima che identifica nel concetto di nascita e rinascita un innovativo modello interpretativo del suo passato, per re-immaginarne un futuro possibile e ottimistico. Ad illustrare i momenti salienti della storia e dell’identità di Venezia, la mostra esporrà opere dei massimi artisti, architetti e uomini di lettere che operarono in laguna nell’arco di quasi un millennio. La mostra comprenderà importanti dipinti di Carpaccio, Tiziano, Tiepolo, Canaletto, Guardi e molti altri, nonché una selezione di miniature, disegni, tessuti, sculture, ceramiche, modelli architettonici, oggetti in vetro e d’uso quotidiano.

Sito: palazzoducale.visitmuve.it
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Viaggio in Sardegna - Lo sguardo esterno

Cagliari (Sardegna) - Fondazione di Sardegna

Fino al 31 marzo

La sezione fotografia, a cura di Marco Delogu, vedrà l’esposizione di una nuova produzione della Fondazione di Sardegna: un corpus di opere inedite di Paolo Ventura, fotografo milanese, classe 1968, nato da un’esperienza di residenza in Sardegna. Grazie alla collaborazione con Casa Falconieri, la sezione sarà integrata dal dialogo delle opere di Ventura con una selezione di scatti del primo Novecento di August Sander e Vittorio Alinari. Il processo di osmosi tra passato e presente è reso possibile dal percorso artistico di Ventura, che si modella su orizzonti diacronici: il tempo definisce i diversi passaggi/segni sui territori che, nelle opere del fotografo milanese, si spogliano delle congiunture per rievocare architetture metafisiche alla De Chirico: un processo creativo che – nella poetica per immagini - mescola fotografie, scenografie, sfondi, elementi umani.

Sito: fondazionedisardegna.it
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Waiting for the Sibyl

Napoli (Campania) - Certosa e Museo di San Martino

Fino al 13 febbraio

“Waiting for the Sibyl” è un progetto artistico che propone il film “Sibyl” di William Kentridge in dialogo con le Sibille della Cona dei Lani. Come in un nuovo racconto che si dispiega sulle pareti della Spezieria, le magnifiche Sibille della Cona dei Lani dialogheranno con la video installazione dell’artista sudafricano, presentata nel maggio 2020 nella sede di Milano della Galleria Lia Rumma all’interno della mostra personale “William Kentridge and other histories”. Ispirato dal movimento e dalla rotazione delle opere di Calder, Kentridge, protagonista sulla scena internazionale dell’arte contemporanea con una produzione che combina film, disegno, musica, teatro, letteratura, rievoca in questo lavoro la figura della Sibilla, la sacerdotessa citata anche da Dante che, interrogata, trascriveva gli oracoli su foglie di quercia: “Così la neve al sol si disigilla; così al vento ne le foglie levi, si perdea la sentenza di Sibilla” (Paradiso, XXXIII). I vaticini, disperdendosi e ruotando, sospinti dalle folate, all’interno dell’antro di Cuma confondevano i destini, diventando simbolo di incertezza e del tempo che fluisce, muta, e ritorna.

Sito: musei.campania.beniculturali.it
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William Congdon. 33 dipinti dalla William G. Congdon Foundation

Jesi (Marche) - Palazzo Bisaccioni

Fino al 27 marzo

Un percorso esaustivo e inaspettato di oltre trenta quadri, spesso di grandi dimensioni, pensato per gli spazi di Palazzo Bisaccioni: dalle New York degli anni Quaranta e le Venezie amate e collezionate da Peggy Guggenheim, fino all’approdo metafisico dei Campi arati degli anni Ottanta e Novanta. Il visitatore potrà muovere il suo sguardo dall’energia dirompente del linguaggio americano dell’Action painting, di cui Congdon era un interprete, attraverso le sue prime esperienze di viaggio per le città d’elezione. È così che la Roma imponente delle vestigia del Pantheon fa i conti con una rappresentazione esistenziale dell’architettura, rappresentata dalla voragine del Colosseo o dalla precarietà della città di Assisi, franante sulla collina.
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Wonder Woman. Il mito

Milano (Lombardia) - Palazzo Morando

Fino al 20 marzo

Ideata per l’editoria nel 1941 dallo psicologo americano William Moulton Marston, con le prime illustrazioni di Harry G. Peter, Wonder Woman è diventata negli anni Settanta l’omonima serie televisiva statunitense, con protagonista un’intramontabile Lynda Carter, per conquistare infine il grande schermo con i film Wonder Woman(2017) e Wonder Woman 1984 (2020), entrambi interpretati da Gal Gadot e distribuiti in Italia da Warner Bros Pictures. Quest’anno Wonder Woman compie 80 anni. Ottant’anni in cui la sua figura – originalissimo modello della cultura pop americana – ha incarnato l’ideale eroico della donna-guerriero, la più grande icona femminile dell’universo DC che ha debuttato nelle paginedi All Star Comics #8 come Diana, giovane membro di una tribù di donne chiamate Amazzoni, originaria di Paradise Island, un'isola nascosta situata nel mezzo di un vasto oceano. Wonder Woman è divenuta indiscusso simbolo di verità, giustizia e uguaglianza, attraversando e superando confini geografici e decenni di storia.

Sito: costumemodaimmagine.mi.it

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